MOVIES {D}

[Mov 07 IMDB 6,6/10] {Video}

DEVAGAR, NÃO CORRA

(Walk Don't Run, 1966)

''Cary Grant, o charmoso mulherengo, consagrado pelo Oscar® Honorário em 1970, transforma-se num carismático casamenteiro na que viria a ser a sua última presença no grande ecrã - Devagar, Não Corra. Quando o industrial inglês, Sir William Rutland (Cary Grant), chega a Tóquio para desenvolver uma série de negócios, a afluência de turistas para os Jogos Olímpicos impossibilitam-no de encontrar alojamento. Rutland propõe-se então dividir um apartamento por uns dias com a bela Christine Easton (Samantha Eggar). Mas não fica por aí, para aumentar a confusão, convida também Steve Davis (Jim Hutton), membro da equipa olímpica, para partilhar o apartamento. Três é definitivamente gente a mais, o que se agrava quando Rutland faz de cupido entre Christine e Steve - para surpresa do noivo dela. Será que Rutland consegue conduzir os noivos ao altar? Só se for capaz de resolver os inúmeros obstáculos hilariantes que se lhe atravessam no caminho! Inteiramente rodado in loco, este é um marco do charme, elegância e boa disposição bem exemplificativos da carreira de Cary Grant.'' (Filmow)

Columbia Pictures Corporation Empresa Granley

Diretor: Charles Walters

2.441 users / 245 face

Check-Ins 51

Date 10/09/2012 Poster - #####

[Mov 02 IMDB 7,6/10 {Video/@@@} M/82

DESPEDIDA EM LAS VEGAS

(Leaving Las Vegas, 1995)

''O que não falta a "Despedida em Las Vegas" é coragem. Porque não é fácil conduzir um filme cujo protagonista é o alcoólatra Ben Sanderson (no passado roteirista de cinema), que viaja a Las Vegas com a intenção de se atolar na bebida até morrer. É ali, no entanto, que encontra uma prostituta, Sera. Um encontro, de fato. Uma compreensão que nasce entre esses dois outsiders ou, se se quiser, malditos. É a partir daí que Mike Figgis mostra como dominar essas duas artes, a da direção e a do roteiro: com ambas, cria um fio de tensão que reterá o espectador até o fim. Algo que pode se resumir à pergunta: no que vai dar essa história toda? É claro que esta resposta está no filme, não aqui." (* Inácio Araujo *)

"Surpreendente a força dos personagens e a atmosfera que o filme consegue manter. Nicolas Cage em uma grande atuação." (Heitor Romero)

Produção barata de Mike Figgis oferece uma visão pungente e bela de uma condição humana das mais críticas.

''Boa parte das pessoas que assistem ao triste “Despedida em Las Vegas” (Leaving Las Vegas, EUA, 1995) o acha um filme exagerado. É compreensível. Em diversas cenas, o protagonista Ben Sanderson (Nicolas Cage) é tomado por tremores alcoólicos e joga garrafas inteiras de uísque goela abaixo, sem interromper o longo gole nem mesmo para respirar. As pessoas normais, que não conseguem fazer o mesmo com Coca-Cola ou água, acreditam que esse tipo de cena é histérica ou impossível. São sortudos, os que pensam assim. Nunca viram um alcoólatra em estado terminal. Ao longo das décadas, Hollywood já contou diversas vezes histórias de bêbados incorrigíveis, mas nunca como Mike Figgis fez neste longa-metragem barato, filmado com câmeras manuais, nas ruas e quartos verdadeiros de motéis vagabundos em Las Vegas. Não se trata de um filme de estúdio. É uma história tipicamente melodramática, sim, mas violenta e mundana, e retrata uma jornada que muitos cineastas não gostariam de abordar, assim como muitos espectadores não têm vontade de ver. É a jornada de autopunição de um homem que se sente irremediavelmente culpado e não quer mais viver por causa disso. Inteligentemente, Figgis poupa o espectador do passado de Sanderson. Vamos apenas um relance rápido disso, quando ele abandona o lar em Los Angeles. Roteirista promissor na indústria do cinema, ele é demitido (eu não merecia tanto, diz, quando olha a quantia escrita no cheque de demissão) por não conseguir mais trabalhar. Então desconta o cheque, queima todos os móveis e objetos pessoais, e se muda para Las Vegas, com o objetivo nada simpático de beber até morrer. A última coisa que faz antes de ir embora é olhar de relance para uma foto em que se vê uma mulher e uma criança. Não sabemos quem são eles, nem o que Ben fez para se punir de maneira tão drástica. É uma decisão acertada de Mike Figgis, pois mergulhar no passado de Ben seria atolar no lamaçal do melodrama mais banal. Em Las Vegas, Ben conhece Sera (Elisabeth Shue), uma prostituta de luxo espancada constantemente pelo cafetão (Julian Sands). O filme enfoca o relacionamento entre os dois. Mais uma vez, Figgis recusa o melodrama barato: não se trata de amor nascendo entre dois párias sociais, mas apenas de empatia entre dois solitários de carteirinha. Ben não ama Sera, pois isso o faria pelo menos hesitar no seu plano suicida. Sera ama Ben? Ela acha que sim. Eu acredito que não. Ela pensa que ama porque, depois de tantos anos tratada como lixo de segunda categoria, encontrou alguém que olha para ela, a escuta, conforta e abraça com carinho. Seja como for, eles se consolam, enquanto Ben ruma diretamente para a morte regada a litros de álcool. “Despedida em Las Vegas” é o tipo de filme difícil para o espectador, pois não lhe permite alívio na experiência de assistir ao sofrimento alheio. Sentimos empatia pelos dois personagens, e torcemos para que de alguma forma haja salvação para eles, mas sabemos no fundo que isso não é possível – o mundo é implacável para gente como esses dois. Figgis filma tudo isso como um bêbado poema encharcado de álcool, jazz e blues, com muitas cenas noturnas (em que usa abundamente as luzes néon que caracterizam Las Vegas) e uma trilha sonora elegante e delicada, cheia de saxofones. O próprio diretor compôs a trilha sonora, incrementada por clássicos dos alcoólatras (Come Rain or Come Shine, uma típica música que se ouve nas radiolas de fichas dos bares norte-americanos). O filme foi baseado num romance escrito por John O’Brien. Ninguém sabia, mas era um livro estranhamente autobiográfico – logo depois de publicado, com o filme ainda em produção, o autor deu um tiro na cabeça e se matou. O episódio ajudou a obra a ganhar fama de ser sorumbática e triste até a alma. É uma fama merecida, e muitos espectadores não têm vontade de se aproximar de filmes assim, escuros e sombrios, além da redação. Dá para entender. Mesmo assim, trata-se de um visão pungente e bela de uma condição humana das mais críticas. Ou seja, é cinema classe A." (Rodrigo Carrreiro)

''Desde os primeiros minutos de “Despedida em Las Vegas” o espectador é envolvido por sua atmosfera melancólica, que reflete a triste e crítica situação de seu protagonista, interpretado brilhantemente por Nicolas Cage. Tratando o alcoolismo com seriedade, o longa dirigido por Mike Figgis acerta ao não julgar o viciado, ao mesmo tempo em que não alivia ao mostrar as sérias conseqüências de seu vicio. Completado ainda por uma trilha sonora belíssima e pela ótima atuação de Elisabeth Shue, este filme singelo nos deixa um gosto amargo na boca e uma mensagem forte para reflexão. Escrito pelo próprio Mike Figgis, o longa esteve perto de sequer ser realizado, porque John O’Brien, o autor do livro em que é baseado, suicidou-se apenas dois meses após o lançamento de sua obra. Esta informação de bastidores é vital para compreender o clima que permeia toda a projeção. Estamos falando da obra de um homem que sabia estar próximo do fim (ou pelo menos tinha esta sensação) e Figgis é extremamente competente na transposição deste sentimento para a tela grande. O resultado é um longa eficiente, tocante e que nos atinge como um soco ao mostrar o viciado como alguém doente, sem qualquer capacidade de controle sobre seu vicio. Ao virarmos as costas para estas pessoas, estamos apenas empurrando-as um pouco mais pra perto do abismo. Em “Despedida em Las Vegas”, acompanhamos Ben (Nicolas Cage), um roteirista alcoólatra abandonado por esposa e filho que, após ser demitido, decide mudar-se para Las Vegas e beber até morrer. Lá, ele conhece Sera (Elisabeth Shue), uma prostituta que compreende sua situação e lhe abre as portas de sua casa. Juntos, eles viverão momentos marcantes, porém ambos sabem que o processo de deterioração de Ben já é irreversível. Eu não lembro se comecei a beber porque minha mulher me deixou ou se minha mulher me deixou porque comecei a beber, ele diz em certo momento. De fato, o roteiro jamais explica porque sua esposa o abandonou, mas a foto de sua família deixada na fogueira antes de sua partida indica um passado feliz. Só que este passado é deixado para trás, queimando na fogueira ou largado dentro de sacos de lixo, enquanto Ben viaja para Las Vegas. O sucesso do trabalho de Figgis passa por sua direção competente, repleta de closes que realçam as fortes atuações de seus protagonistas. Detalhista, o diretor se preocupou até mesmo em compor a melancólica trilha sonora, repleta de jazz e que traz ainda duas lindas canções interpretadas por Sting, nos mergulhando ainda mais no triste mundo de Ben. O uso constante da câmera lenta e o predomínio de cenas noturnas colaboram na criação desta atmosfera sufocante que, associada ao ritmo corretamente desacelerado da montagem de John Smith, reflete as sensações daquele homem que lentamente se suicida. Além disto, a excelente fotografia de Declan Quinn abusa dos tons de vermelho, refletindo o inferno astral daquelas duas pessoas tristes, aproveitando também as luzes da noite de Las Vegas, que carregam alguma nostalgia e ilustram a melancolia que predomina a narrativa. E novamente Figgis confirma sua competência captando tudo isto com precisão através de sua câmera. Talvez a imagem que mais apareça em “Despedida em Las Vegas” seja a de Ben com uma garrafa na mão, o que, para quem não conhece a trágica conseqüência do vicio, pode soar exagerado. Não é. Figgis retrata com precisão a necessidade constante que o alcoólatra tem de estar bebendo. Só que todo este cuidado do diretor poderia ser prejudicado caso o ator principal não fosse alguém tão talentoso. Em atuação excepcional, Nicolas Cage retrata um alcoólatra com precisão, através do olhar desfocado, das tremedeiras e das crises constantes que o levam a beber sempre mais e mais, acertando em praticamente tudo, desde os momentos que pedem uma atuação mais forte, como a impressionante crise no cassino, seguida pela tremedeira enquanto ele se arrasta até a geladeira, até os momentos minimalistas, como quando Ben, de costas, tropeça levemente na escada rolante, mostrando a falta de reflexos provocada por seu constante estado alcoolizado. Sua mente conturbada é refletida até mesmo na pilha de papéis em sua mesa de trabalho (direção de arte de Barry Kingston) e ele tem consciência disto, tanto que mal reage à sua demissão – em outro momento comovente da atuação de Cage. Esta grande atuação encontra o contraponto ideal no excelente desempenho de Elisabeth Shue, que compõe uma Sera igualmente solitária e triste, que parece compreender mais o drama de Ben do que ele compreende o dela. A atriz também entrega uma atuação caprichada, que se preocupa com pequenos detalhes, como quando Sera evita olhar diretamente para a câmera enquanto fala sobre sua performance sexual ou em sua comovente expressão quando pede para Ben mudar pra casa dela. Cage e Shue ilustram a tristeza dos personagens em seus semblantes carregados, algo que Figgis capta muito bem empregando constantemente o citado close-up. Em certo momento, Ben diz que mais cedo ou mais tarde vamos transar e Sera responde: seja lá o que isto quer dizer. O sexo era o que menos importava naquela relação e isto fica evidente quando Ben pede para Sera parar o sexo oral e apenas conversar, derrubando uma lágrima dos olhos emocionados dela, em outra cena linda, embalada pela excelente trilha. Eles precisavam muito mais de companhia e compreensão do que de prazer. Esta falta de apetite sexual, entretanto, não quer dizer desinteresse, refletindo apenas o devastado estado emocional dele. Repare, por exemplo, como Ben mal consegue segurar o copo em um jantar, mas se antecipa ao pegar o isqueiro para Sera antes que ela perceba, mostrando que presta atenção nela. Eles se importavam muito um com o outro. Mas este cuidado começa a se transformar em preocupação quando Ben passa a se incomodar com a profissão dela. Sera também já não estava totalmente confortável com a situação dele, apesar de ter aceitado jamais pedir que ele parasse de beber. Também fica claro que Sera deseja Ben, por isso, numa tentativa desesperada, ela derrama Vodka em seu corpo e tenta animá-lo, o que funciona, pelo menos até que ele tropece, quebre uma mesa de vidro, se corte e destrua o clima. Ele não consegue transar com ela, vaga pela casa com uma garrafa na mão e mais parece um fantasma. Por isso, quando ela volta pra casa e o encontra com outra prostituta, a dor é forte. Para ela, esta é a pior traição possível, mas no fundo ela também sabe que Ben é incapaz de perceber a gravidade de sua atitude. Triste, ela sai de casa, aceita fazer programa com alguns garotos e acaba violentada, numa cena de forte impacto. O choque é inevitável e ela o expulsa de casa, mas logo o arrependimento vem. Caminhamos então para o anunciado final de “Despedida em Las Vegas”. O reencontro do infeliz casal, num quarto escuro e em silencio, é banhado em melancolia e nos leva à morte dele. Cage e Shue novamente dão um show à parte e encerram suas atuações com perfeição. As palavras finais dela resumem bem a mensagem da narrativa: ambos não esperavam que o outro mudasse, pois eles sabiam que não tinham muito tempo e, por isso, aceitavam o outro pelo que era. E assim como Sera, o espectador se sente incapaz durante toda a projeção, vendo aquele homem caminhar para a morte sem poder fazer nada a respeito. Retratando com fidelidade a vida de um alcoólatra em fase final, “Despedida em Las Vegas” é um filme difícil, triste, mas extremamente competente dentro do que se propõe a fazer. Se você não se sentir tocado e repensar o vício após esta experiência, é melhor procurar um médico, pois talvez não tenha um coração batendo aí dentro. Não devemos tolerar o vício e muito menos subestimá-lo, mas compreender a situação do viciado é o primeiro passo para ajudá-lo." (Roberto Siqueira)

68*1996 Oscar / 53*1996 Globo

Top Inglaterra #43

Lumiere Pictures Lila Cazès Production, A Initial Productions

Diretor: Mike Figgis

79.567 users / 4.141 face

Soundtrack Rock = Sting + Michael McDonald + Don Henley

Check-Ins 87

Date 01/11/2012 Poster - ###

[Mov 08 IMDB 6,4/10] {Video/@@@@@} M/76

DEPOIS DE MAIO

(Après mai, 2012)

***** "Enquanto Cannes se dedica a cultivar a morte (verbetes conexos: Palma de Ouro, Haneke, Amor, eutanásia), Olivier Assayas continua a criar uma obra tão sólida quanto vital. Filme após filme, Assayas vai esquadrinhando seu país, sua geração, a Europa, seu passado um tanto sufocante, a decadência. Agora é "Depois de Maio". Falamos do Maio de 68, claro. O mais enigmático acontecimento mundial do pós-guerra. O que terá sido? Pensava-se que era o começo de uma nova era, o nascimento de uma esquerda não autoritária. Mas hoje parece ter sido o canto do cisne do pensamento de esquerda. Talvez tudo isso já não importe tanto, a não ser pelo enigma. Fiquemos, portanto, com o essencial. Logo de cara, o enfrentamento entre um grupo de estudantes parisienses (colegiais, os que o filme acompanha) e o CRS (a temível tropa de choque francesa). Uma filmagem seca, sem espetáculo ou demagogia: exemplar. Uma cena que ninguém esquecerá facilmente. Outras virão. Mas é preciso não perder o foco do assunto. O amor à revolução vem junto com o amor pelo amor. E o primeiro de Gilles chama-se Laure. Com ela, chega o movimento beatnik, o poeta americano Gregory Corso. A Europa troca com a América (recebe o melhor dos EUA, retribui-lhe com as armas para as revoltas já nascentes na sociedade americana). Depois de Laure vem Christine, a engajada. Do anarquismo transita-se à batalha junto aos operários. Enquanto isso, em Paris ou na Itália, a cada vez o movimento político se radicaliza. O grupo inicial de amigos, gente do liceu, precisa crescer. E crescer significa tomar decisões individuais. E por mais coletivistas que sejamos, não há solução, o caminho é sempre pessoal. Para resumir, Olivier Assayas faz a pergunta que vem relançando desde seus primeiros filmes: afinal quem somos nós (Europa, França)? E para onde vamos? A pergunta diz respeito também, certamente, à sua geração, a de Maio e "Depois de Maio" (ele nasceu em 1955). É desse tipo de inquietação que se faz a solidez de Assayas, que vai construindo, filme após filme, talvez a mais viva e também intransigente obra de um cineasta francês desde a nouvelle vague." (* Inácio Araujo *)

***** ''O que fez a geração de Maio de 68 é sabido. Na França, sobretudo, mas não só lá. O que aconteceu com ela depois do refluxo? Eis a questão que se pôs Olivier Assayas, talvez o melhor autor de cinema europeu de sua geração, ao fazer "Depois de Maio". É mais ou menos o que está também na minissérie Carlos, sobre o famoso terrorista. Mas ali tratava-se antes do destino das esquerdas em geral. Aqui, são destinos anônimos e particulares que importam: os que optam pela ultraesquerda, os que imaginam que Maio nunca acabou. E ainda os que passaram às artes, ou às drogas. Ou ainda aqueles que terminaram exilados, impedidos de cruzar fronteiras. Em cada um vive o impasse das esquerdas. Mas, sobretudo, a percepção de que Maio de 68 não foi um começo, mas um crepúsculo." (** Inácio Araujo **)

***** ''Por sorte, não perdi "Depois de Maio", de Olivier Assayas. Nas últimas semanas, eu tinha visto o trailer repetidamente, e imaginava que o filme me aborreceria com um amontoado de chavões ideológicos, ou seja, daquelas frases que, em Maio de 1968, estofavam nossos peitos e, hoje, são inertes, quase desprovidas de sentido. Ora, tanto na nossa vida quanto na história coletiva do século 20 e 21, Maio de 68 e os anos 1970 foram muito mais do que as convicções e as palavras de ordem da luta política. Claro, na época, nada nos parecia mais importante do que o sucesso ou o fracasso daquelas convicções. Mas fazer o quê? Foi assim: saímos à rua para fazer uma revolução e acabamos fazendo outras, que não eram previstas, mas talvez fossem melhores do que a que tínhamos planejado. Não estou falando da revolução nos costumes e na tolerância das diferenças. Falo de outra revolução ainda, que, nos últimos anos, começou a ser contada, indiretamente, nos filmes que tratam de Maio 68. Os melhores, para mim, eram Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci, e Amantes Constantes, de Philippe Garrel. Agora há "Depois de Maio", de Olivier Assayas, que não é apenas o filme sobre Maio que mais me tocou até hoje. É também um dos filmes (sobre Maio ou não) que mais me tocaram nos últimos anos. Assayas é mais jovem do que eu. Eu tinha 20 anos em 68; ele tinha 13. Mas ambos fomos jovens nos anos 1970 na França; eu estava, por exemplo, nas manifestações de setembro de 70, durante a greve de fome de Alain Geismar. Há uma pergunta que se colocam quase todos os que viveram de dentro Maio 68 e os 1970: o que eu fiz que, assim como eu sou hoje, eu não faria? E ter me transformado, isso é bom ou ruim? No filme "Depois de Maio", é citado um grande poeta beat dos anos 1950. Em Gasoline, de Gregory Corso, há um poema (Tenho 25 Anos), em que, depois de evocar os poetas que morreram jovens (Shelley, Chatterton, Rimbaud), Corso declara que ele odeia os velhos poetas, especialmente os que se retratam e que contam sua juventude sussurrando: Eu fiz aquilo então, mas isso foi então. Desses velhos poetas, Corso quer arrancar a língua fora, para que parem de se desculpar. Será que sou um desses velhos poetas? Vistos de hoje, aqueles dias me parecem uma comédia de erros? E, se não foram, qual foi seu valor? É que aqueles dias e anos inventaram um novo hedonismo da vida (que talvez já tenha sido perdido, de novo): era um prazer de viver, mas cuidado - levando a vida extremamente a sério. Esse prazer tinha a ver com o quê? Por exemplo, com uma custosa fidelidade ao desejo da gente, que fosse de ser pintor, militante ou perdido nas drogas. Ou ainda, com uma extraordinária densidade cultural, uma raiva de ler e estudar, como se colocar as questões certas fosse a condição para viver a vida intensamente. Em 1970, num seminário de literatura inglesa contemporânea, na Universidade de Genebra, cada estudante foi convidado a apresentar um autor preferido. Escolhi Gregory Corso. No meio da exposição, me empolguei e confesso que atribui a Corso, como se fossem dois versos de um poema dele, as primeiras linhas (memoráveis) de um romance de espionagem de Len Deighton, que eu acabava de ler. Por sorte minha, ninguém parecia conhecer nem Corso nem Deighton, e não fui desmascarado. O começo de "An Expensive Place to Die", de Len Deighton (O Preço da Morte), tinha se tornado meu hino pessoal à vida que se justifica por si só, pela aventura que ela é. Deighton começa assim: The birds flew around for nothing but the hell of it (o sentido é: os pássaros voavam pelo céu pelo puro prazer de voar - mas em inglês é muito melhor). O filme de Assayas fala do prazer da vida levada a sério em duas sequências magníficas e surpreendentemente longas: a abertura, com os estudantes fugindo de um ataque da polícia, e uma pichação noturna, também com fuga dos estudantes perseguidos pelos vigias. Nessas cenas, há o fôlego dos estudantes e dos policiais, que correm, há o fôlego do cineasta que consegue manter a sequência, há o fôlego dos espectadores e há, enfim, mais um fôlego, do qual talvez todos precisemos: é o fôlego de se levar a sério, ou seja, por exemplo, de ousar ir às ruas, pelo prazer de declarar o que a gente pensa, desafiando o medo." (Contardo Calligaris)

{Os pássaros voavam pelo céu pelo puro prazer de voar} (ESKS)

A vida pós-maio de 1968.

''Dentre todos os filmes que tentaram retratar a juventude setentista pós-maio de 1968, talvez o mais poético seja Água Fria (L’eau froide, 1994), de Olivier Assayas. Mas, ao que parece, o cineasta sentiu que faltou dizer muita coisa neste trabalho e desde então vem procurando o momento ideal para voltar a esse tema sem soar repetitivo, complementando o trabalho anterior ao se focar em temas como música, cinema e mesmo o amor. A oportunidade surge agora com seu novo filme, vencedor de melhor roteiro no último Festival de Veneza, Depois de Maio (Après mai, 2012), protagonizado pelo mesmo personagem de Água Fria, Gilles (agora interpretado por Clément Métayer). Talvez não tão poético e um tanto mais frio que seu filme complementar, Depois de Maio segue por um caminho mais específico de debate. Dividi-se na opinião dos jovens politicamente engajados, influenciados pelo movimento estudantil de maio de 1968, hippies, e alguns radicais que questionam a relevância do cinema como arte útil, afirmando se tratar de entretenimento voltado para a burguesia. Entre tantos tipos, Gilles segue uma jornada de inúmeras descobertas, dessas sempre presentes em filmes adolescentes sobre descobertas, como sexo, amor, drogas, e, por fim, a dura realidade que se aproxima com a chegada da vida adulta. O diferencial está no distanciamento que Assayas adquire em relação a esses temas. Como se desenrola em 1971, a trama retrata uma época em que, apesar das influências do movimento estudantil, já despontavam alguns outros influentes que começavam a se confrontar com as ideologias antes estabelecidas. Ainda existem os protestos, as reivindicações e a propagação de ideias de maneira anárquica, mas por alguma razão tudo parece mudado. Com as descobertas de nível pessoal, dessas que fazem alguém amadurecer e se desenvolver como pessoa, Gilles começa a enxergar tudo aquilo de uma maneira mais ampla. Dessa forma, há quase um insight de metalinguagem, onde o cineasta coloca seus personagens se confrontando com temas que antes tanto defendiam, graças à ação do tempo, enquanto nós como espectadores conseguimos analisar tudo isso de uma distância ainda maior, de uma perspectiva histórica que só vem com o passar dos anos. Fugindo das armadilhas que todo santo filme de temática parecida acaba caindo cedo ou tarde em seu desenrolar, Après mai não abusa de uma fotografia multicolorida, de atmosfera psicodélica e música pop. Sua visão desta época é sóbria e expõe a inocência dessa geração quando olhada hoje em dia, já que no fundo, eles acreditavam piamente que poderiam fazer do mundo um lugar melhor. As cores são frias, a atmosfera é melancólica e o objetivo não é simplesmente retratar a geração jovem dos anos 1970, mas sim tentar compreendê-la, expor os conflitos de caráter mais íntimo de seus personagens – uma tentativa de Assayas, que viveu aquilo, contar para nós não somente um pouco de suas experiências, como também apresentar seu olhar atual sobre tudo aquilo que passou. A música e o cinema ganham um enfoque maior, e as discussões em volta dessas duas artes são bastante ternas. E o que há de mais sensível neste trabalho é maneira universal com que Assayas engloba gerações. Apesar de o que estar em tela sejam os jovens intensos de décadas atrás, a visão do cineasta atinge a juventude como um todo, incluindo a de agora, de modo que consegue trazer à tona sentimentos que em tantos outros filmes pareceram ultrapassados para nós, mas que agora parecem tão próximos. Despindo-se de estereótipos, o que sobre é uma belíssima imagem bruta do ser humano enquanto jovem – inseguro, indeciso, curioso, mas sempre movido por uma paixão intensa que ora produz tanta efervescência, ora o obriga a se deparar com a súbita vida que escolheu levar, com ou sem consciência dessa decisão imutável." (Heitor Romero)

2013 Lion Veneza / 2013 César

MK2 Productions France 3 Cinéma Vortex Sutra Canal+ Ciné+ Région Ile-de-France France Télévision Centre National de la Cinématographie (CNC) La Banque Postale Images 5

Diretor: Olivier Assayas

2.721 users / 706 face

Soundtrack Rock = Syd Barrett + Booker T. & the M.G.s + Nick Drake + Captain Beefheart & The Magic Band + The Incredible String Band + Soft Machine + Kevin Ayers + Robin Williamson + Tangerine Dream + Amazing Blondel + Johnny Flynn + Dr. Strangely Strange

Check-Ins 579 22 Metacritic

Date 10/06/2014 Poster - ##########

[Mov 07 IMDB 6,5/10 {Video}

DESEJO

(Desire Under the Elms, 1958)

31*1959 Oscar / 1958 Palma de Cannes

Don Hartman Productions

Diretor: Delbert Mann

729 users / 51 face

Check-Ins 124

Date 02/03/201 Poster - #####

[Mov 03 IMDB 5,7/10 {Video}

DESEJO DE MATAR 2

(Death Wish II, 1982)

''Paul Kersey, que teve a esposa assassinada, sai de Nova York, e leva uma vida normal, deixando de lado seu sentimento de vingança, mas quando sua filha é estuprada e morta Kersey, volta a fazer justiça com as próprias mãos." (Filmow)

"Repeteco do filme original, vale mesmo pela trilha de Jimmy Page." (Vlademir Lazo)

"Repeteco do filme original, vale mesmo pela trilha de Jimmy Page." (Vlademir Lazo)

Cannon Group Golan-Globus Productions

Diretor: Michael Winner

8.315 users / 374 face

Check-Ins 141

Trilha Sonora / Rock = Jimmy Page

Date 19/03/2013 Poster -####

[Mov 06 IMDB 6,7/10] {Video}

DIFERENTE DOS OUTROS (unofficial)

(Anders als die Andern, 1919)

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Sinopse

"Paul Körner é um violinista de sucesso, que se apaixona por um de seus alunos. Flashbacks nos mostram como Körner tornou-se ciente de sua orientação sexual e tentou inicialmente modificá-la para, em seguida, compreendê-la. Um chantagista desprezível, porém, descobre e ameaça expor o violinista como homossexual."

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[Mov 03 IMDB 5,7/10 {Video/@@@@} M/46

DOZE É DEMAIS

(Cheaper by the Dozen, 2003)

"Doze É Demais!" é uma comédia de gags precárias, mas de mensagem precisa, incisiva. Seus vilões eleitos são uma mãe moderna, que não gosta de famílias grandes, e um ator narcisista, que não quer ter filhos. Os 12 do título são os Baker, a última-família-grande-e-feliz da América. Eles vivem contentes até o dia em que papai Baker (Steve Martin) vai treinar o time de futebol de uma universidade. Para dificultar a adaptação das crianças à nova cidade, mamãe Baker é obrigada a se ausentar, ocupando-se da turnê de lançamento de seu livro de memórias. A confusão que se segue encerra a seguinte moral: antes fracassar na vida profissional do que no âmbito familiar. Afinal, não dá pra todo mundo querer ser o número um. Problema que, por extensão, aplica-se a toda uma nação. Estamos aqui de volta à romantização do bom homem comum, aquele que leva uma vida anônima e saudável no interior do país. Em seu libelo ao provincianismo, o filme defende valores antiquados que nem mais se aplicam à realidade americana. Para começar, ridicularizar "famílias pequenas" num país em que a média de filhos por família é de 1,87 não parece ser um bom negócio. O período de sátira às patologias do american way, moda do cinema independente que havia contaminado o mainstream hollywoodiano, parece mesmo ter sido sepultado pelo 11 de Setembro. Desenterrar velhos valores é a nova palavra de ordem em Hollywood. Mas estes, de tão anacrônicos e vazios, só parecem encontrar vazão em produções medíocres e alienadas como esta." (Tiago Mata Machado)

Twentieth Century Fox Film Corporation Robert Simonds Productions

Diretor: Shawn Levy

60.601 users / 1.204 face

Soundtrack Rock = 10,000 Maniacs + A Tribe Called Quest + Simple Plan + Fountains of Wayne + Jackson 5 + Brenda Lee

Check-Ins 149

Date 07/05/2013 Poster ###

[Mov 03 IMDB 4,8/10 {Video/@@@}

DESEJO DE MATAR 4 - OPERAÇÃO CRACKDOWN

(Death Wish 4: The Crackdown, 1987)

"Depois do apocalíptico Desejo de Matar 3, parecia mais do que óbvio que a carreira cinematográfica do vigilante Paul Kersey estava encerrada. Afinal, não havia mais história para contar. A parceria entre a Cannon Films e Charles Bronson continuou com os filmes policiais O Vingador (1986) e Assassinato nos Estados Unidos (1987), e por algum tempo Kersey realmente permaneceu aposentado. O problema é que, à época, a Cannon andava mal das pernas por causa do investimento exagerado - e nunca recuperado nas bilheterias - em filmes como Falcão - O Campeão dos Campeões (em que só o astro Sylvester Stallone embolsou 12 milhões de cachê!) e Superman 4 - Em Busca da Paz. Os produtores Golan e Globus decidiram que a melhor forma de sair do vermelho era lançar continuações de suas franquias mais lucrativas. Sem pensar duas vezes, colocaram em pré-produção Braddock 3, com Chuck Norris, e "Desejo de Matar 4 - Operação CrackdownComo". Bronson e o diretor inglês Michael Winner se estranharam após o lançamento do terceiro filme, a direção da quarta aventura de Kersey passou para outro inglês, o veterano J. Lee Thompson, que já tinha trabalhado com Bronson cinco vezes (incluindo "Dez Minutos Para Morrer"). Era um verdadeiro encontro de dinossauros: o ator estava com 66 anos, e o cineasta com 73. Thompson já trabalhava para a Cannon há algum tempo, dirigindo aventuras como "As Minas do Rei Salomão" e "Os Aventureiros do Fogo", e estava acostumado a fazer filmes para os primos israelenses com orçamentos irrisórios. Definido o diretor, o problema agora era qual direção seguir depois de Desejo de Matar 3: continuar apostando no exagero e no absurdo, ou voltar àquele tom mais sério e realista dos dois primeiros filmes? Nem os próprios Golan e Globus sabiam a resposta. Por isso, vários argumentos para "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" foram analisados por eles, incluindo uma ideia sugerida pelo próprio Brian Garfield (autor do romance Death Wish, que deu origem ao primeiro filme, lembra?). Depois de muitas idas e vindas, Golan e Globus lembraram de Gail Morgan Hickman e das várias ideias não-aproveitadas que ele havia escrito alguns anos antes para a Parte 3. Hickman tinha roteirizado uma outra aventura de Bronson ("O Vingador"), e seu trabalho foi tão satisfatório que resolveram chamá-lo de volta para escrever "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" a partir de um daqueles argumentos descartados em 1984. Inicialmente, Hickman escreveu uma aventura mais séria que era continuação direta de Desejo de Matar 2, fingindo que aquela Terceira Guerra Mundial num bairro pobre de Nova York, mostrada na Parte 3, nunca aconteceu! No argumento inicial, um envelhecido Kersey, ainda vivendo em Los Angeles, aposenta seu passado como vigilante e volta a se relacionar com aquela ex-namorada interpretada por Jill Ireland na Parte 2, prometendo a ela nunca mais fazer justiça com as próprias mãos. Só que namorar com Kersey é zica, e logo a moça seria executada por bandidos durante um assalto. Como o herói tinha feito a promessa de abandonar as armas, ele tenta agir conforme a lei dessa vez, levando os culpados a julgamento. Só que os assassinos são inocentados e voltam às ruas. É quando Kersey também resolve sair da aposentadoria e vingar-se ao seu estilo. Parece até interessante no resumo, mas o roteiro de Hickman não foi bem recebido pela Cannon, que queria uma aventura com mais tiros e explosões e menos drama, questionamentos e conflitos internos do vigilante. Além disso, a atriz Jill Ireland estava se tratando de um grave câncer de mama e não se sentia confortável para interpretar uma personagem que morria. E sem ela, a ideia perdia todo o sentido. Assim, Hickman voltou à estaca zero, e, entre as várias ideias surgidas no processo, bolou uma completamente absurda em que Kersey caçava um perigoso terrorista para vingar um amigo da CIA morto pelo vilão (coincidentemente, argumento parecido já havia aparecido na aventura Exterminador Implacável, com Rutger Hauer, um ano antes)! Finalmente, o roteirista chegou à ideia que acabou se transformando em "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown", baseada tanto no western "Por um Punhado de Dólares" quanto na fonte inspiradora deste, o filme japonês "Yojimbo": o vigilante Kersey agora agiria de maneira mais cerebral, colocando duas quadrilhas de traficantes de drogas uma contra a outra, e matando aqueles que sobrassem no final! Naquela etapa dos anos 80, a Cannon Films estava buscando temas socialmente engajados para suas aventuras. Se Superman 4 - Em Busca da Paz era um libelo anti-corrida armamentista, "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" seria uma aventura anti-drogas. A própria família Bronson sofria com o problema, já que o filho adotivo do astro, Jason McCallum, travava uma dura batalha contra o vício em drogas (mas nunca se soube se isso influenciou ou não no argumento do filme, e se foi Bronson quem sugeriu abordar o tema). Fazendo de conta que Desejo de Matar 3 nunca aconteceu, o filme mostra Kersey trabalhando normalmente como arquiteto em Los Angeles, e com um novo caso amoroso: trata-se de mais uma jornalista, Karen Sheldon (Kay Lenz, de A Casa do Espanto), e novamente com a metade da idade dele (Kay tinha 34 anos, Bronson 66!). Para quem não lembra, na Parte 2 a namorada de Kersey também era jornalista. Embora sofra pesadelos frequentes relacionados a suas incursões anteriores como vigilante, Kersey parece ter aposentado seu passado para levar uma nova vida com Karen e sua enteada adolescente, Erica (Dana Barron, que interpretou a filha de Chevy Chase em Férias Frustradas). Sem que os pais saibam, Erica e seu namorado Randy (Jesse Dabson) são usuário de drogas. E, certa noite, a garota exagera no crack e acaba comendo capim pela raiz, morrendo de overdose. Isso tudo acontece já nos primeiros 10 minutos de filme, pois desenvolvimento de personagens parece não interessar muito nesse quarto filme. Kersey sequer espera o cadáver esfriar: ele segue Randy até o traficante que vendeu a droga, Jojo (Héctor Mercado), testemunha a execução do rapaz (que, burramente, ameaçou entregar o traficante à polícia) e resolve sair da aposentadoria, dando o devido castigo ao assassino da sua enteada. Ok, os culpados pela overdose estão mortos, então parece que é o fim, certo? Errado. As mortes de Randy e Jojo são investigadas por uma dupla de policiais, os detetives Reiner (George Dickerson) e Nozaki (Soon-Tek Oh). E como Nozaki é interpretado pelo mesmo ator que fez o vilão de Braddock 2, é óbvio que mais cedo ou mais tarde ele vai se revelar um policial corrupto. Paralelamente, o vigilante é procurado por um poderoso milionário, dono de um império de veículos de comunicação, chamado Nathan White (John P. Ryan). Ele quer contratar o justiceiro para um trabalhinho: aniquilar as duas quadrilhas de traficantes que comandam o império dos entorpecentes em Los Angeles. Nathan alega que sua única filha também morreu de overdose, e por isso não vai economizar dinheiro ou armas para que Kersey acabe com a raça dos bandidos. Apesar de não ter mais nada a ver com a história, e de não ser nenhum mercenário ou guerrilheiro, o vigilante aceita a proposta - com a desculpa de acabar com aqueles que estão matando as crianças. As duas quadrilhas são chefiadas por Ed Zacharias (Perry Lopez, que depois trabalhou com Bronson no ótimo Kinjite - Desejos Proibidos) e pelos irmãos latinos Jack (Mike Moroff) e Tony Romero (Dan Ferro). Como já acontecia em "Por um Punhado de Dólares" e Yojimbo, um grupo não se bica com o outro, e só precisa riscar um fósforo para explodir o barril de pólvora. Kersey percebe isso e dá uma de Clint Eastwood/Toshiro Mifune, jogando uma quadrilha contra a outra, matando os homens-chave de cada organização e fazendo parecer que foi trabalho do outro grupo. O resultado é uma mini-guerra que quase lembra "Desejo de Matar 3", aquela aventura exagerada que o astro, o roteirista e os produtores estavam tentando esquecer... Uma das minhas principais queixas em relação a "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" é que ele parece não ter nada a ver com o restante da série - tudo bem, o terceiro também não, mas pelo menos era engraçadíssimo e já estava de bom tamanho para fechar a franquia. Não consigo engolir um justiceiro como Paul Kersey fazendo intriguinha nos bastidores, colocando bandidos uns contra os outros ao invés de atacá-los por conta própria e matar todo mundo, ao seu estilo. Soa tão imbecil quanto aquele filme do Justiceiro com o Thomas Jane. O roteirista Hickman merece crédito por ter tentando ligar a história com os dois primeiros filmes, e até faz diversas citações a eles, quando os policiais que investigam o caso citam as tragédias acontecidas na família Kersey em Desejo de Matar e Desejo de Matar 2; além disso, novamente Kersey se identifica com o nome falso "Kimball", como fez na Parte 2 (e também na terceira, mas lembre-se que essa não foi levada em consideração aqui). O problema é que Hickman não percebeu que Kersey não é um soldado, um policial ou um mercenário, mas sim um cara normal com desejo de matar (dã!). Eu consigo engolir o protagonista lutando sujo contra os punks do terceiro filme, mas não sua cruzada patrocinada contra os traficantes de drogas. Aliás, por que diabos o personagem de Ryan contrata Kersey para fazer o serviço ao invés de um mercenário ou assassino profissional? Sem contar que é praticamente impossível acreditar que Kersey consiga esconder de todo mundo (da nova namorada, da polícia...) o seu trabalho atual como vigilante, já que aparece o tempo inteiro com armas de grosso calibre e até explosivos para despachar os traficantes. E a maneira como ele consegue se infiltrar com a maior facilidade em qualquer lugar - como ao entrar disfarçado de garçom numa festa promovida por Zacharias, ou fingindo ser funcionário numa refinaria de cocaína do mesmo traficante - é forçar demais a amizade! Há algumas reminiscências daquele primeiro roteiro que Hickman escreveu e que não foi aprovado pela Cannon - aquele mais sério e tal -, e esses pequenos detalhes são a melhor coisa de "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown", o que me leva a imaginar como este primeiro roteiro poderia ter sido um filmaço antes da mudança para a trama chupada de Por um Punhado de Dólares. Por exemplo, a primeira cena do filme, que Hickman disse ter sido a única coisa que conseguiu manter daquela sua primeira versão do roteiro, é um pesadelo em que Kersey aparece interrompendo uma tentativa de estupro. Quem é você?, pergunta um dos estupradores. A morte, responde o herói antes de passar chumbo no sujeito, mas só para descobrir que acabou de matar um clone de si mesmo. Kersey então acorda suado e gritando na cama, comprovando que ele ainda é assombrado pela culpa de todos os crimes cometidos, numa ideia interessante que infelizmente é abandonada pelo filme no momento em que o vigilante inicia sua cruzada anti-drogas. No livro Bronson's Loose! - The Making of the Death Wish Films, o roteirista explicou ao pesquisador Paul Talbot como foi o processo de destruição da sua história original: Ficou bastante claro para mim que a Cannon queria que o filme fosse apenas entretenimento. Meu primeiro roteiro era muito sério, e acho que só existem duas maneiras de contar a história de um vigilante: uma é abordar seriamente as implicações morais da justiça pelas próprias mãos, e o que isso faz com você; a outra é fazer algum cartunesco, só para diversão. Hickman também comparou a série Desejo de Matar com as franquias de James Bond e Dirty Harry, em que cada sequência vai ficando mais exagerada. Inclusive eu não entendo porque teimaram em passar a borracha na absurda Parte 3 se esta aqui também tem uma contagem de cadáveres altíssima e inverossímil, a segunda maior da série! Para não ser injusto, "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" tem algumas ótimas cenas de ação, especialmente o ataque de Kersey à refinaria e o massacre coletivo das duas quadrilhas. Algumas piadinhas inspiradas aqui e ali também ajudam a espantar a sensação de estarmos vendo algo completamente descartável. Gosto muito da cena em que um capanga flagra Kersey dentro de sua casa e pergunta o que ele faz ali, e o vigilante responde, com a maior cara-de-pau: Estou só fazendo um sanduíche. Outro diálogo inspirado acontece quando Kersey aborda um dos traficantes mostrando a foto da sua finada enteada Erica, e dizendo que fez tudo aquilo por ela. O bandido responde: Mas eu nem a conheço!. Antes de disparar à queima-roupa, o vigilante retruca: Mas eu sim!. O final de "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" envolve uma intereressante reviravolta (pouco convincente, mas, vá lá, inesperada) relacionada ao personagem de John P. Ryan. Mas até chegar nela será preciso resistir a cenas francamente estúpidas, como aquela em que o herói explode um trio de vilões usando uma garrafa de vinho-bomba, à la 007 (qual o problema em simplesmente chegar atirando?). Ou o momento patético de crítica social em que um médico-legista apresenta à personagem de Kay Lenz várias jovens vítimas do consumo de drogas. Por sinal, o roteiro fraquinho desperdiça este novo interesse amoroso de Kersey. A pobre Karen aparece apenas no começo do filme, quando vê a filha morrer de overdose, e então desaparece da trama até o final, quando é sequestrada pelos bandidos e, claro, tem o tradicional final trágico reservado a todas as namoradas ou familiares de Paul Kersey. Ninguém se preocupa em explicar o que a personagem fez durante todo o tempo em que esteve sumida da narrativa, mas sabemos que ela não se encontra mais com Kersey - pois o vovô tem todas as noites livres para sair matando bandidos pela cidade! Não faltam culpados para a inconsistência geral do filme. Um deles é o diretor Thompson, que naqueles tempos lutava contra o alcoolismo. Outros dois são Golan e Globus, que baixaram tanto o orçamento da produção que até reaproveitaram músicas de seus filmes Braddock - O Super Comando e Invasão USA na trilha sonora para economizar uns trocados, além de colocar pôsteres e displays de várias produções da Cannon em algumas cenas para fazer merchandising grátis. Ironicamente, o trailer de cinema do filme anunciava The biggest Death Wish ever!... Porém o maior culpado talvez seja o próprio Bronson. No livro Bronson's Loose!, o roteirista Hickman lembra que o ator estava um verdadeiro pé no saco durante as filmagens, reclamando o tempo inteiro que não queria gravar cena x ou diálogo y, e obrigando-o a fazer incontáveis mudanças no roteiro. Originalmente, por exemplo, o grande vilão do filme morreria asfixiado pelo próprio veneno, quando Kersey o trancava numa sala com o ar impregnado de cocaína; na hora de filmar, optaram pelo velho e direto Vamos explodir o filho da puta, já visto no final de Desejo de Matar 3 e também de Invasão USA. (Traficantes asfixiados com seu próprio veneno apareceriam dois anos depois no obscuro Esquadrão Cobra 2, com Lorenzo Lamas.) Também segundo o roteiro original, a namorada do herói permaneceria viva na conclusão, e até prometendo ajudar o vigilante em ações futuras para compensar a perda da filha. Temendo que isso provocasse polêmica pela velha questão do pró-vigilantismo, diretor e produtores optaram por matar a personagem no final, só para manter a tradição da série de que os interesses românticos de Kersey devem morrer! Por causa dessa soma de fatores, "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" é bem decepcionante. Quando vemos o velhote Bronson correndo com uma metralhadora maior que ele, parecendo prestes a ter um infarto, fica claro que o filme funcionaria muito melhor como veículo para Chuck Norris ou, sei lá, Michael Dudikoff. Enfim, esta Parte 4 só não é a mais fraca da série porque, anos depois, um ainda mais envelhecido Bronson cometeria a imbecilidade de voltar no fraquíssimo e ordinário Desejo de Matar 5, um dos piores (e últimos) filmes de sua carreira. Como já havia acontecido com os outros filmes da série, esta quarta aventura traz pelo menos dois atores que ficariam mais famosos depois em pequenas participações. Um deles é o Machete em pessoa, Danny Trejo, interpretando um dos homens de Zacharias (e uma das vítimas da hilária garrafa de vinho explosiva); o outro é Mitch Pileggi, o Skinner do seriado Arquivo X, como um traficante que toma umas bolachas de Kersey na refinaria de cocaína. Suas participações são no estilo piscou, perdeu, então aproveite para dar uma boa olhada em ambos nas imagens acima. E um detalhe trágico: num daqueles casos em que a vida imita a arte, o filho adotivo drogado do astro, Jason McCallum, morreu dois anos depois de overdose. Pena que, na vida real, Bronson estava muito velho para sair matando traficantes ao estilo Paul Kersey no filme... PS: Michael Winner nunca mais voltou a dirigir uma aventura de Paul Kersey, mas em 1993 revisitou o universo do vigilantismo em Beleza Fatal, que é praticamente uma paródia de humor negro da série Desejo de Matar, mas com Uma vigilante em ação. Para quem gosta do tema, vale a pena procurar!" (Felipe M. Guerra)

Cannon Group

Diretor: J. Lee Thompson

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Soundtrack Rock = Michael Bishop

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Date 30/05/2013 Poster - ###

[Mov 04 IMDB 7,5/10 {Video}

DUPLO SUICÍDIO EM AMIJIMA

(Shinjû: Ten no amijima, 1969)

"A brilhante e radical encenação de Shinoda é o grande atrativo de Duplo Suicídio em Amijima, mas o conflito central parece um pouco aquém da força que poderia ter." (Daniel Dalpizzolo)

Obra-prima da Nouvelle Vague japonesa. Moderno até para os dias atuais.

"Duplo Suicídio em Amijima" foi lançado no Brasil em uma versão meio vagabunda pelo selo Magnus Opus – nada a ver com a versão remasterizada do prestigioso selo norte-americano The Criterion Collection disponível na loja deles na rua Bela Cintra, em São Paulo. De qualquer forma, vale a pena ver esse filme japonês de Masahiro Shinoda, filmado em 1969, no DVD brasileiro, pois é considerado um dos mais importantes feitos da chamada Nouvelle Vague japonesa. A história foi adaptada de uma peça bunraku, o teatro de bonecos japonês. O diretor não esconde a origem como faz questão de salientar a dramaticidade da trama, que poderia ser considerada ingênua, direta e um tanto esquemática, dada as características desse tipo de arte, em tese feita para divertir crianças (nem sempre) ou comunicar-se diretamente com o público. Assim, se no palco os atores que manipulam os bonecos vestem-se completamente de negro e estão o tempo todo do lado das personagens, o diretor providenciou o mesmo para seus atores de carne e osso: todos os afazeres dos atores são ajudados por vultos negros, que todos em cena tem pelo menos um – há ecos do distanciamento de Bertold Brecht. Os cenários também criam o ambiente onírico: formado de telas magníficas, pintadas em papel transparente, com os platôs cobertos de caligrafia, como se estivesse saindo diretamente do livro. Ao mudar de cena, os vultos trocam a mobília e os adornos. É impressionante. Conta a inesquecível história de amor de um comerciante de papel por uma geisha. Ela, visada pelo mais rico comerciante local, precisa do dinheiro dos clientes para sustentar a mãe, que morre de fome no interior. Ele, casado e com dois filhos, não vê outra maneira de consumar seu amor – uma vez que ele não tem como sustentar a geisha só para si – a não ser pela morte. Propõe à amada o duplo suicídio na ponte. Ela concorda. Tentarão durante todo o filme consumar esse pacto mortal. Como era comum na época, o contexto sexual era forte. Antes de darem cabo a suas vidas, os amantes farão amor perto do templo local, ao som das badaladas do sino da Indonésia. É algo belo, desesperado e ousado até hoje, não só pela felação e pelos corpos nus obcecados, mas pela infinita beleza da cena, numa das poucas externas do filme – ela foi discutida, no início do filme, pelo diretor e roteirista ao telefone, que seria feita sob os auspícios do teatro kabuki. Colabora para tanto a extraordinária fotografia em preto-e-branco, a impecável direção de arte, os figurinos brilhantes e a interpretação irrepreensível da atriz Shima Iwashita (mulher de Shinoda), que (me perdoe o leitor que não viu o filme, mas sou obrigado a contar esse detalhe) interpreta de maneira brilhante tanto a cortesã Hoharu com a esposa submissa do comerciante de papel. Além disso, o filme contou com a ajuda do célebre compositor Toru Takemitsu, que se encarregou não apenas da música, mas da orquestração de todos os ruídos e diálogos do filme. Takemitsu foi ainda o responsável pelo roteiro, apenas retocado por Taeko Tomioka, especialista no dialeto de Kansai, onde a história se passa. Preciosismos? Nunca. Apenas apuro de artistas impecáveis. Impossível não se deixar espantar com a cena em que, irado, o personagem principal destrói os cenários, revelando como eles foram construídos. Ex-assistente de Yasujiro Ozu, Masahiro Shinoda é um dos três pilares da Nouvelle Vague japonesa, ao lado de Nagisa Oshima (Tabu) e Yoshishige Yoshida (Purgatório Heróica, já comentado aqui no Cine Players). Aqui levou o cinema japonês ao seu auge de estilização. Shinoda representava o que havia de mais moderno então, utilizando-se, sem ironias, a mais pura tradição ancestral japonesa." (Demetrius Caesar)

Art Theatre Guild Hyogensha

Diretor: Masahiro Shinoda

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Date 30/05/2013 Poster - ##

[Mov 05 IMDB 6,5/10 {Video/@@@}

DOIS IRMÃOS

(Dos hermanos, 2010)

''Daniel Burman é um cineasta da família. Embora tenha se dedicado com mais frequência às relações familiares (ou de vizinhança) judaicas, são os complexos laços afetivos que formam o centro de sua obra. Em "Dois Irmãos", Susana e Marcos têm suas inevitáveis diferenças. Ela, mais expansiva e forte. Ele, mais frágil. Marcos é quem cuidava da mãe doente. Depois que ela morre, a irmã passa o apartamento nos cobres e o desloca de Buenos Aires a Montevidéu. É perto, mas não é simples como parece. E Burman trabalha como bom observador ao trazer tanto as inadaptações (e adaptações) do irmão à nova situação, como o fazer e desfazer-se de rivalidades, ressentimentos e amores entre irmãos." (* Inácio Araujo *)

**** ''Dois Irmãos" trata com suavidade da saga de irmão e irmã, bem idosos e bem diferentes. Os modos de ser, grandezas e mesquinharias da espécie, são observadas com delicadeza por Daniel Burman. Nem por isso seu olhar deixa de ser implacável e acurado: trata-se de um dos mais regulares realizadores argentinos atuais.'' (** Inácio Araujo **)

''Daniel Burman não conhece outro tema que não seja a família. Palavras dele, não minhas, mas não é preciso ser crítico de cinema para perceber isso. Ninho Vazio, As Leis de Família e O Abraço Partido, seus longas anteriores, refletem sobre os laços indissolúveis entre familiares. Em ''Dois Irmãos'' (Dos Hermanos, 2010) não é diferente. A trama acompanha Susana e Marcos, os dois irmãos do título. Ela, uma espécie de trambiqueira, que ganha a vida com pequenos rolos no mercado imobiliário. Ele, um solteirão sexagenário que perde seu rumo quando a mãe idosa morre. Depois de uma transação mal-executada, não sobra alternativa a Susana se não vender a casa da mãe e mandar seu emasculado irmão ao Uruguai, onde ele vai viver em uma casa antiga em Villa Laura, fruto desse investimento equivocado. Porém, do outro lado do Prata, Marcos acaba fazendo amizades... e subitamente a ideia de felicidade não parece impossível. Pelo menos até que Susana interfira outra vez. Graciela Borges (O Pântano) e Antonio Gasalla, que vivem os protagonistas, fazem a diferença em um roteiro que, em outras mãos (ou em um país obcecado por sua televisão), poderia facilmente transformar-se em um novelão. Conduzido pelo argentino, o roteiro inspirado no livro Villa Laura, de Sergio Dubcovsky, torna-se exemplo de qualidade de atuação, excelente condução de atores e narrativa cinematográfica sem excessos. As emoções em ''Dois Irmãos'', afinal, jamais são exacerbadas e os diálogos sempre carregam realismo dramático. Há sutilezas em cada sequência, com Burman usando - como ótimo diretor que é - o enquadramento para contar mais que os atores em cena estão dizendo (atenção no velório da mãe, sem convidados, foco no rosto de Marcos enquanto a irmã matraqueia). E Susana matraqueia o tempo todo... algo que o argentino usa como contraste entre os dois - tão próximos mas tão estranhos um ao outro. Ele ouve, ela jamais se cala. Ela tenta vencer, ele se dá por vencido. O mundo dela sempre invade o dele primeiro através do som, como na cena em que ele, concentrado em seu trabalho de ourivesaria, começa a escutar o burburinho de mudanças lá fora... é mais uma vez Susana chegando, com direito a papagaio na gaiola. Ou quando ele vê seu trabalho na cozinha ser interrompido por marteladas lá fora. Susana está do outro lado do rio, mas sua presença se faz ouvir. A ideia é empregada várias outras vezes, como no celular silencioso de Marcos (no hay roaming, Susana!), nas conversas dos vizinhos inexistentes e no clímax, quando, enfim, é a vez de Marcos falar - e de Susana ouvir, ainda que não necessariamente da maneira como você possa estar imaginando. Burman não é assim tão previsível. Fica a ressalva, porém, ao uso óbvio de Édipo Rei como a peça a ser encenada na peça dentro da trama. Ainda que não seja criação do cineasta, mas algo presente na obra adaptada, fica a sensação de que a criatividade portenha poderia ter buscado uma saída melhor para essa ideia batida. O sapateante final me pareceu igualmente dispensável, uma maneira de dar ao público algum alento extra para tirar aquela última camada de tristeza. Bobagem... o cinema de Burman já seria alento suficiente." (Erico Borgo)

"Um dos mais festejados cineastas argentinos da nova safra, Daniel Burman (o mesmo de O Abraço Partido, As Leis de Família e Ninho Vazio) novamente volta as suas lentes para o tema que domina com maestria: as relações humanas. Se em seus primeiros trabalhos é marcante sua preocupação em radiografar as relações entre pais e filhos, em ''Dois Irmãos'' ele prefere dissecar uma conturbada relação entre irmãos. Ainda que tudo seja desencadeado pela morte da mãe deles. Marcos (Antonio Gassala) é um delicado e sensível sessentão que passou toda a vida cuidando ou sendo cuidado pela mãe. Seu contraponto é a irmã, Susana (Graciela Borges), mulher despachada e desbocada que passa por cima de tudo e de todos (principalmente do próprio irmão) visando apenas seus próprios interesses. Após a morte da mãe, o desequilíbrio emocional entre o casal de irmãos de instala de forma mais visível e agressivo, a ponto de Susana forçar Marcos a trocar a Argentina pelo Uruguai onde ele – segundo ela – viveria melhor. Novamente o cinema argentino faz mais com menos. A partir do livro Villa Laura, do também argentino Diego Dubcovsky, Burman constroi um belo e dolorido painel sobre as relações de poder, dominação e triste interdependência que nascem e crescem dentro dos ambientes familiares. Se numa primeira leitura a personagem de Susana se apresenta como forte e resolvida, logo a máscara cai por terra, revelando uma pessoa cuja maldição parece ser a da necessidade de ter alguém do lado para poder humilhar. O vírus que não vive sem hospedeiro. Afinal, o que se passa com alguém que tem como hobby comprar apartamentos que sabe que jamais conseguirá pagar? É ela a responsável pelos ótimos momentos de humor ferino do filme. Por outro lado, se Marcos, num primeiro momento, se apresenta como um personagem revestido de total fragilidade, mais tarde se notará que, apesar de tudo, ele sim consegue desenvolver, por si próprio, mecanismos de busca pela satisfação e realização. No caso, o teatro. É o cinema argentino visitando outra vez os temas da solidão, da melancolia e da incomunicabilidade, tão queridos à cultura daquele país. E, para isso, não precisa mais do que um roteiro sólido, uma direção segura e – como sempre – belíssimos atores. Pode parecer pouco, mas não é. Afinal, mais do que qualquer efeito especial, são o roteiro a direção e as atuações o verdadeiro tripé que constroi o bom cinema, e já faz um bom tempo que nuestros hermanos (re)descobriram isso.'' (Celso Sabadin)

''O argentino Daniel Burman mais uma vez surpreende (redundância!) os cinéfilos ao roteirizar e dirigir o tocante drama cômico Dois Irmãos. As envolventes narrativas do diretor, recheadas de personagens reais, mesmo que fictícios, sempre desarmam o espectador, pela proximidade e verossimilhança. Foi assim com O Abraço Partido (2004), Leis de Família (2006), O Ninho Vazio (2008), e não é diferente em Dois Irmãos, baseado no livro Villa Laura, de Diego Dubcovsky, que colaborou no roteiro. Marcos (Antonio Gasalla) e Rosana (Graciela Borges) são irmãos iguais e diferentes nos prazeres e nas dores de uma vida em família. Ele é um ourives e cuida da mãe doente, ela é uma trambiqueira que se arranja em qualquer ramo (imobiliário, gastronômico) onde sentir cheiro de lucro. O embate dos dois, que vem desde a infância, se agrava com a morte da mãe. Marcos é sessentão. Rosana é cinquentona. Ambos solteiros e com perspectivas diferentes de vida. Enquanto ele sonha em retomar o seu trabalho de artesão e finalmente ter um tempo para si, ela se apossa e se desfaz da herança dos dois, obrigando-o a viver em Villa Laura, no Uruguai. A índole tranquila de Marcos contrasta com a possessividade de Rosana. Quando o relacionamento se torna insuportável, percebe-se que as aparências enganam. Enquanto um ergue a sua fortaleza, o outro busca escapar dos seus próprios destroços. Verbo e gesto não mais se casam. É hora do espelho desenhar um outro reflexo. É hora do público rever a sua primeira impressão. ''Dois Irmãos'' (Dos Hermanos, Argentina, Uruguai, França , 2010) é um filme que se vê com prazer e (mesmo) um leve sorriso nos lábios, apesar da melancolia que costura cenas e sequências e arremata tudo com um final pungente. A trama que enreda Marcos e Rosana é a que enreda a parábola do humilde Cedro e o prepotente Carvalho, nascidos lado a lado. Enquanto a maleável planta resiste a uma forte tempestade, a vigorosa árvore, incapaz de se curvar, não tem a mesma sorte. Dois Irmãos tem um roteiro enxuto e um acabamento técnico notável. A sutileza do enquadramento de Marcos e Rosana, no velório da mãe, durante uma discussão, cujo motivo parece irrelevante, é comovente. Aliás, todo o filme é carregado de sutilezas que, entre muitos desacatos, dão um contraponto perfeito. A direção de Burman é precisa e a interpretação dos veteranos Antonio Gasalla (humorista de teatro) e Graciela Borges (dama do cinema) é irretocável. O filme ''Dois Irmãos'' lembra outro belo exemplar sul-americano, o brasileiríssimo É Proibido Fumar (2009), de Anna Muylaert, que também fala de solidão, insegurança e da frágil relação familiar que está sempre por um tênue fio. Na excelente produção brasileira, Glória Pires é Baby, uma solitária professora de violão (fumante compulsiva e à beira da histeria), sempre em pé de guerra com as duas irmãs, por causa de um sofá ou de um namorado. Mantidas as diferenças regionais, na pegada do humor e do drama, ambos têm muito em comum na forma de bem narrar uma história cheia de nuances e que, em mãos bobas seria um verdadeiro desastre." (JobaTrindade)

Top Argentina #27

BD Cine Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) Televisión Federal (Telefe)

Diretor: Daniel Burman

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Date 26/06/2013 Poster -

[Mov 07 IMDB 7,1/10 {Video/@@@@} M/59

DREDD

(Dredd 3D, 2012)

''Ao ver as primeiras cenas de "Dredd", é impossível não se lembrar de Robocop. Como o policial do longa de 1987, o Juiz Dredd deste filme é um vigilante a serviço da lei, com autonomia para perseguir, julgar e executar suspeitos sumariamente, em um futuro sombrio e decadente. A semelhança é natural, pois os dois personagens bebem da mesma fonte: a HQ inglesa Judge Dredd. O que surpreende é como dois filmes de mesma matriz sejam tão distintos. Enquanto Robocop era um ciborgue atormentado pelo passado humano e que se voltava contra a ordem totalitária, o Juiz Dredd é um carniceiro sem alma a serviço desse mesmo poder.No novo filme, Dredd se vê preso numa enorme favela vertical ao investigar um triplo homicídio. Para sair de lá vivo, terá de passar a régua nos traficantes do pedaço. Dito e feito: segue-se um amontado sem sentido de sequências de tiroteio. O único vislumbre de sanidade na fita está na parceira de Dredd, a médium Anderson, para quem matar não resolve problemas. Mas é muito pouco. Impróprio para humanos, "Dredd" só tende a agradar aos bárbaros que acham que o papel da polícia é atirar primeiro e perguntar depois." (Leonardo Cruz)

''Em 1995, Sylvester Stallone encarnou o anti-herói cult Juiz Dredd, nascido nas revistas britânicas 2000 AD, em um filme que não conseguiu traduzir a dureza, opressão e violência dos quadrinhos. A coisa foi tão feia, que chegou ao ponto de o criador do personagem, John Wagner, se negar a endossar o projeto. Sorte que 17 anos depois, o diretor Pete Travis entendeu a essência do que faz a história tão intensa e poderosa e criou uma obra simples, porém sensacional. Para quem não conhece os quadrinhos, ''Dredd'' é um policial futurista e extremamente brutal que protege as ruas de Mega City One, uma metrópole distópica, superpovoada e fascista, que ocupa uma área gigantesca entre Nova York e Boston. Para piorar, ela é cercada por um deserto radioativo chamado A Terra Maldita, repleto de mutantes. A história é pesada, afinal nasceu em uma época conturbada do Reino Unido, quando a cultura punk rock estava em declínio e a população via a decadência do país e a ascensão de Margareth Thatcher ao poder, eleita primeira ministra apenas três anos após a primeira edição chegar às bancas. Sombrio e incorruptível, Dredd (Karl Urban) é o mais famoso dos juízes, grupo com poder de polícia, juiz, júri e executor. O cara tem uma visão bem clara de seu mundo – ele é a lei. Na trama, o protagonista é designado para treinar uma recruta com poderes psíquicos, a juíza Anderson (Olivia Thirlby). Durante o dia de avaliação, ela escolhe responder a um chamado em uma megaestrutura, praticamente uma favela, de 1 km de altura e lar de 75 mil pessoas. A batida policial resulta numa batalha intensa e na prisão de um dos cabeças da gangue de Ma-Ma, interpretada de forma fria e cruel por Lena Headey. Ao ver em perigo a distribuição de uma nova droga chamada Slo-Mo, ela prende os juízes no complexo e convoca uma caçada brutal aos dois. O filme inteiro se passa dentro desse prédio gigantesco chamado Peach Trees, de forma similar ao que acontece no aclamado longa indonésio Operação Invasão. As referências não acabam por aí, é impossível não se lembrar de Duro de Matar, com o valentão John McClane invadindo um prédio dominado por inimigos, e até mesmo do brasileiro Tropa de Elite, ao mostrar a ação policial em uma favela controlada por gangues hostis e como isso afeta a vida das famílias que ali, infelizmente, convivem diariamente com o crime e a violência. Ao contrário de outros longas de super-heróis, ''Dredd'' tem um estilo visual cru, que o aproxima de Distrito 9, ambos filmados em Johanesburgo. A capital sul-africana serve como cenário perfeito para a imperdoável e decadente Mega City One, que ganha vida e, com isso, também o peso de um personagem capaz de definir as ações de seus moradores, nada a ver com a relativamente limpa e organizada megalópole criada por computação gráfica no filme de 1995. Implacável mesmo é ''Dredd'', interpretado por Karl Urban (o Éomer de Senhor dos Anéis) com frieza e determinação. Mostrado pela perspectiva de sua aprendiz, o anti-herói é um personagem sombrio, tenso e com uma obrigação fanática de seguir a lei. O fato de ele não tirar o capacete em nenhum momento, garante ainda mais credibilidade ao intimidador juiz, pois não importa o homem por trás da máscara e sim o uniforme e tudo que representa naquele mundo caótico. Em contraste, temos a recruta Anderson, a contraparte emocional da narrativa, muito mais humana que seu instrutor e que, vinda de uma das zonas mais pobres da cidade, sonha em fazer a diferença. Curioso é que ela não usa capacete em nenhum momento, com a desculpa de que isso afetaria seus poderes mentais, mas o real motivo é aproveitar a beleza da atriz e, ao exibir suas expressões, facilitar a identificação do público com os mocinhos. A intensidade é marca também da bela mixagem de som, trilha sonora e visual. Tudo ajuda a moldar ótimas cenas de ação, que apesar de constantes, não cansam pela variedade e criatividade – destaque para uma traqueia quebrada sem dó em uma das lutas mais brutais do filme. Além disso, a droga Slo-Mo garante algumas boas e bem dosadas cenas em câmera lenta, como a de Lena Headey tomando banho de banheira sob efeito do entorpecente. A habilidade de usar esse recurso sem exagero valoriza a produção e não incomoda. Sem medo de chocar, ''Dredd'' é um longa de ação cheio de confiança, estilo e violência, que não trata o espectador como criança. Certamente vai agradar tanto aos fãs do personagem quanto a um novo público, interessado em algo mais intenso do que costumamos ver nos cinemas. Mas vá preparado para encarar momentos incômodos, pois a produção não alivia a barra nem por um minuto." (Daniel Reininger)

Reboot britânico aproveita liberdade para ser mais fiel à HQ do que o filme com Sylvester Stallone.

''Com a sala lotada e a presença do protagonista Karl Urban, aconteceu na Comic-Con 2012 a primeira exibição pública nos EUA de ''Dredd'', a nova adaptação ao cinema da HQ do Juiz Dredd. Urban fez aquela média básica antes da sessão e disse que "esse filme é para vocês". É óbvio que ele falaria o que os fãs queriam ouvir, mas o fato é que o longa-metragem realmente é mais fiel ao gibi, com sua visão deformada da sisudez política de direita, do que o filme de 1995 com Sylvester Stallone, que amolece (e tira o capacete) o juiz. No reboot, Joe Dredd (Urban) é um dos mais temidos juízes nas ruas de um futuro distópico de Mega City One, com o poder de impor a lei, sentenciar os criminosos e executá-los no local, quando necessário. Já Cassandra Anderson (Olivia Thirlby) nunca conseguiu passar no teste para tornar-se uma juíza, mas é aceita como recruta da corporação por seu excepcional poder de ler mentes. A trama se passa durante a primeira missão de Anderson ao lado de Dredd, no gigantesco bloco residencial Peach Trees, que o bando de Madeline Madrigal (Lena Headey, cuja falta de expressividade dá à personagem um fatalismo bastante envolvente), conhecida como Ma-Ma, controla do alto do 200º andar. A paisagem lembra Distrito 9 - ambos os filmes foram rodados na África do Sul - mas quem viu o ótimo filme de ação indonésio The Raid (exibido no Festival do Rio ano passado como Batida Policial), de 2011, vai identificar algumas similaridades com ''Dredd'', a começar pela trama localizada no conjunto de corredores e andares, onde os dois juízes são cercados por um exército rival. A estética também é parecida, com a ação crua (mas sem as coreografias de luta de The Raid) contrastando com a fotografia saturada, que acaba deixando os cenários - visivelmente baratos - com uma interessante cara de technicolor. É difícil dizer se Pete Travis (Ponto de Vista) chegou a ver The Raid antes de dirigir Dredd, mas essa aproximação não tira do filme seu valor - na verdade, a ultraviolência que flerta o tempo todo com a caricatura é também uma marca da HQ. O roteiro de Alex Garland (conhecido pelos scripts dos filmes de Danny Boyle A Praia, Extermínio e Sunshine - Alerta Solar), por sua vez, aproveita todos os bordões consagrados do juiz sem soar empolado demais, e dá espaço às muitas gangues de Mega City One (que nos quadrinhos espelhavam a variedade de bandos da juventude britânica nos anos 70 e 80) de uma forma orgânica, sem parecer que essas gangues se fantasiam à la Warriors. O que pode dividir um pouco o público é o efeito estilizado que Travis arrumou para representar a viagem da droga Slo-Mo, central à trama do filme, que faz seus usuários enxergarem a realidade com uma fração da velocidade normal (por isso o nome "câmera lenta"). Parece um bullet time com LSD - que preenche e salta da tela na exibição em 3D (o longa foi rodado no formato) mas é um festival de luzes e cores que não exatamente combina com o tom do resto do filme. O que não dá pra negar é que ''Dredd'', produção britânica de orçamento modesto e execução competente, tem liberdade para fazer esse tipo de escolha. E quando se está livre para escolher é que fica mais fácil ser fiel ao material original." (Marcelo Hessel)

"Uma rara refilmagem que supera o original. A linguagem renovada, os efeitos especiais e o ritmo modernoso couberam como uma luva para a violência inexorável de um futuro descontrolado. Filmão de ação!" (Alexandre Koball)

''Travis utiliza a limitação do espaço para criar urgência, além de algumas belíssimas cenas em câmera lenta - justificadas na trama do filme. Mas o universo da trama e os próprios juízes são tratados de forma rasa, resultando em um filme de ação insosso." (Silvio Pilau)

Production Companies DNA Films IM Global Peach Trees Reliance Big Entertainment Reliance Big Pictures Rena Film

Diretor: Pete Travis

163.598 users / 42.759 face

Check-Ins 242

Date 05/08/2013 Poster - ######

[Mov 07 IMDB 7,1/10 {Video/@@@} M/61

DEIXE-ME VIVER

(White Oleander, 2002)

''O título original de Deixe-me viver é White oleander, que em português quer dizer oleandro branco. Oleandro é o nome de um arbusto, cuja bela flor possui um veneno tóxico, capaz de matar. "Por que alguém teria algo assim em casa?", pergunta em determinado momento do filme um dos personagens. A resposta se confunde com a trama do filme e tem mais níveis do que a flor tem pétalas, passando pelos questionamentos da maternidade, orgulho e egocentrismo. Baseado no livro As flores brancas de oleandro (Editora Globo), escrito por Janet Fitch, o drama mostra o crescimento conturbado e a adolescência de Astrid Magnussen (Alison Lohman). Os primeiros doze anos da menina são confortáveis e pouco desafiadores, já que a companhia de sua mãe, uma artista plástica de comportamento agressivo, cuidou de afastar todos os elementos externos que poderiam prejudicá-las. Ingrid Magnussen (Michelle Pfeiffer), a mãe, despreza sentimentalismos e pessoas com personalidades mais dóceis, que qualifica como menores. Ciente de sua beleza, capacidade de sedução e domínio sobre o sexo oposto, Ingrid não suporta ser abandonada pelo namorado, e acaba assassinando-o. Com a mãe condenada à prisão perpétua, Astrid passa a viver em lares adotivos, casas cujas famílias recebem subsídio do governo norte-americano para acolherem crianças que vivem nos orfanatos estatais. A vida tranqüila da menina entra em colapso e, longe da mãe, tem que encontrar forças para sobreviver nas casas adotivas por onde passa, enfrentando agressões e situações pelas quais nunca havia imaginado passar. Tais suplícios são enfrentados com inteligência e buscando refúgio em seu talento artístico nato, que se desenvolve conforme ela aprende quem realmente é e qual o verdadeiro significado de sua mãe para ela. Apesar da história envolvente e elenco estrelado, ''Deixe-me Viver'' peca em termos narrativos. Traz uma montagem linear, bastante burocrática, que não deixa espaços para surpresas ou inovações no filme. Talvez uma limitação do diretor Peter Kosminsky, mais acostumado a longas para a televisão. Porém, se não soube explorar a edição, pelo menos Kosminsky contou com a sensível visão do diretor de arte Anthony R. Stabley, que trabalhou com Takeshi Kitano (Dolls) em Brother e ao lado de Rupert Wainwright em Stigmata. Stabley empregou cores para separar as fases da vida de Astrid com grande competência. O filme começa com azuis na casa da mãe, passa para um confuso arco-íris no lar da ex-stripper Starr (Robin Wright Penn), emprega os tons pastéis para a solitária Claire (Renée Zellweger) e abusa do negro com a russa trambiqueira Rena (Svetlana Efremova). Todas as transições entre lares, passadas num orfanato, trazem a cor do ambiente anterior, desbotada. O branco, como nas flores do oleandro, só chega no desfecho, explicando o título do filme (o original, não a equivocada versão brasileira) e dando sentido à natureza da planta e ao relacionamento entre mãe e filha." (Erico Borgo)

{Se Deus existe, não vale a pena rezar para ele} (ESKS)

"Personagens sem qualquer profundidade, que tomam atitudes que não fazem o menor sentido e que em momento algum geram alguma identificação com o público." (Heitor Romero)

Warner Bros. Gaylord Films John Wells Productions Oleandor Productions Pandora Filmproduktion

Diretor: Peter Kosminsky

22.775 users / 1.116 face

Soundtrack Rock = Girls Against Boys + Bucwhead + The Promise Ring + Sheryl Crow + Burning Brides

Check-Ins 243

Date 05/08/2013 Poster - ####

[Mov 08 IMDB 7,2/10 {Video}

DA VIDA DAS MARIONETES

(Aus dem Leben der Marionetten, 1980)

"Ingmar Bergman é um cineasta conhecido por seus temas densos e complexos, mas apesar da melancolia seus filmes normalmente apresentam lirismo e beleza. Não é o caso de ''Da Vida das Marionetes'', realização sua para a televisão alemã em 1980. O filme começa com Peter Egerman assassinando brutalmente uma prostituta e em seguida fazendo sexo com seu cadáver, evento a que o diretor se refere como a catástrofe. A partir daí o filme investiga os dias anteriores ao crime e acompanha os depoimentos no processo contra Egerman. Peter e Katarina Egerman já haviam aparecido em Cenas de um Casamento, minissérie de 1973, como um casal histérico e em crise que briga violentamente na frente de Johan e Marianne, os protagonistas, e faz com que esses se sintam gratos pela estabilidade e sucesso de seu casamento. Aqui nós somos levados para a intimidade do casal e as coisas se tornam mais sutis e complicadas. Em público Peter e Katarina se detestam, atacam e traem sem pudores, ainda assim ela afirma para um de seus amantes (e psiquiatra de Peter) que ama o marido. A cena em que ambos conversam na cozinha durante a madrugada mostra que existe carinho e cumplicidade ali, talvez mesmo amor, mas ao mesmo tempo se coloca um abismo intrasponível. O filme é todo construído em cima desse paradoxo: o desejo de proximidade e afeto e a vulnerabilidade e dor que isso pode causar. Tim, um amigo homossexual de Catarina, explica em um brilhante monólogo ( filmado, não por acaso, com o personagem se olhando em um espelho, sua imagem duplicada) como se sente quebrado em dois, uma parte ansiando por contato e a outra reprimida frente a possibilidade de horror e violência. Esse sentimento é comum a todos os personagens do diretor, mas aqui isso se expressa claramente. Bergman sempre utilizou muito close-ups de seus atores, se aproximar tanto dos rostos permite que os sentimentos sejam expressos em toda sua sutileza e dimensão, mas em "Da Vida das Marionetes" quase sempre esses rostos estão divididos, metade visível, metade na sombra. A fotografia em preto e branco aliás reforça esses sentimentos contrastantes: o escritório de Peter, lugar da burocracia e do distanciamento, é quase todo preto, enquanto seu sonho com Katarina inteiro branco. Além disso, filmar em preto e branco evoca os primeiros filmes do diretor e coloca Egerman como uma releitura, mais moderna e pessimista, dos personagens anteriores, especialmente Antonius Block, protagonista de O Sétimo Selo. Ambos se perguntam sobre a possiblidade de paz e sentido, mas ao contrário de Block, que afirma várias vezes nunca cansar de perguntar, Egerman desistiu. Ele conta para Katarina que seu desejo é morrer, ou ao menos não sentir mais nada, uma espécie de morte em vida tão criticada por Bergman em seus primeiros filmes. No fim, o diretor reforça o paralelo ao colocar Peter, em uma clínica psquiátrica, jogando xadrez com um computador, um eco de sua cena mais famosa em que Antonius Block joga com a morte. No entanto a enfermeira afirma que o paciente sempre joga no modo mais difícil, Egerman, de novo ao contrário de Block, não faz questão de ganhar. "Da Vida das Marionetes" talvez seja um filme menor de um grande diretor e com certeza é um dos filmes mais atípicos da obra de Ingmar Bergman, mas é citado como influência por cineastas como Lars Von Trier e David Cronenberg. Nele Bergman revisita seus temas e personagens recorrentes e constroe seu filme mais pessimista, mas também o mais claro deles, em que todas as questões que antes se instalavam na narrativa ou em longos diálogos metafóricos aqui são destrinchadas. A presença da figura do psiquiatra e os testemunhos em julgamento ajudam nisso, é um filme quase didático para se entender as questões que norteiam o cinema de Ingmar Bergman." (Isadora Sanai)

"Apesar de já ter dirigido as filmagens de O Ovo da Serpente (Ormens Ägg, 1976) na Alemanha, este filme havia sido concebido na Suécia. Da Vida das Marionetes (Ur Marionetternas Liv, título sueco, 1980), seu "filme alemão", analisado superficialmente, mostra as tentativas de responder por que Peter Egerman matou uma prostituta. Ele é casado com Katerina, entretanto não podem nem viver um com o outro, nem um sem o outro. Sabotam-se mutuamente, numa dança da morte sofisticada, um purgatório diário, um processo de desumanização. O psiquiatra dele é amante de sua mulher, Peter descobre, mas não mata nem o médico, nem sua esposa – e tampouco se separa dela. Estas e outras pistas falsas são lançadas como peças de um quebra-cabeças. A imagem de Peter no quarto de hospital psiquiátrico ao final do filme remete à vida do próprio Bergman. Depois que ele teve problemas com o governo sueco devido a questões de imposto de renda, internou-se numa clínica. Levantava cedo para ser o primeiro a utilizar o banheiro. Cuidava muito da forma física e os dias estavam minuciosamente divididos: dez vezes por dia tomava, a cada vez, dez miligramas de Valium. Na seqüência final, Peter encontra-se mergulhado neste tipo de existência. Dorme agarrado ao velho ursinho de sua infância, joga xadrez com um computador e todas as manhãs alisa a coberta da cama durante meia hora. De acordo com Jacques Aumont, "Da Vida das Marionetes" (Aus Dem Leben Der Marionetten, título alemão) é o último filme de um ciclo que se inicia quinze anos antes com Persona (1966) (3). O ciclo dos filmes de rostos, em plano aproximado. Persona sistematizou um estilo de enquadramento onde a tela se divide entre dois rostos segundo todas as modalidades imagináveis. Longos closes de rostos serão encontrados a seguir, em A Hora do Lobo (Vargtimmen, 1968), O Rito (Riten 1969), A Paixão de Ana (En Passion, 1970) e Gritos e Sussurros (Viskningar Och Rop, 1973). Closes mais curtos temos em Cenas de um Casamento (Scener Ur Ett Äktenskap, 1973) e Sonata de Outono (Höstsonaten, 1978). Da Vida das Marionetes" oferece rostos de longe e de perto, de frente e de perfil. Rostos gigantes, chegando ao zoom de um olho (havíamos visto um mais radical no prólogo de Persona). Rostos na penumbra e rostos refletidos em grandes espelhos sem bordas aparentes, remetendo nesse último caso à questão do duplo. Reencontramos um dos efeitos de imagem mais impressionantes do cineasta sueco, que em Persona e A Hora do Lobo: o rosto em close e de cabeça para baixo. A cena é longa e temos tempo de ver esse rosto se tornar monstruoso, de perceber a troca de posições entre os olhos e a boca. Os signos da humanidade (olhar, palavra e riso) são destruídos quando Bergman inverte um rosto. O filme começa colorido, até a morte da prostituta. Depois de ser estrangulada por Peter, as cores do preto e branco invadem a tela. Na opinião de Aumont, a passagem do vermelho da cena do assassinato para o branco sugere que não há mais sangue em Peter Egerman. Ele se tornou definitivamente uma marionete. As cores voltam no final do filme, já no hospital psiquiátrico. Peter e Katerina são o desenvolvimento de Johan e Marianne, o casal de Cenas de um Casamento. Mas são também um novo e último avatar dos casais malditos, estéreis, com câncer na alma, da grande trilogia protagonizada por Max Von Sydow e liv Ullmann, A Hora do Lobo, Vergonha (Skammen, 1968) e A Paixão de Ana. Aumont acredita que o trabalho de Bergman nos rostos dos personagens traduz a tese fundamental do filme: devido à alienação, a vida afetiva, sexual e conjugal tornou-se uma vida de marionetes. A vida se tornou mecânica porque não há mais desejo próprio para além do simples êxito social. Mas é do roubo da alma que se trata e não de uma crítica política ou ideológica da alienação. Uma última referência de Aumont: Marionetes: desde sempre – desde o pequeno teatro de bonecos de sua infância – Bergman se pergunta quem puxa os fios desses bonecos que somos. Através da boca de Peter, este filme dá uma resposta: A morte me segue em todo lugar, talvez seja ela que puxa os barbantes, ela que me faz rir." (Roberto Acioli de Oliveira)

“Da Vida das Marionetes” (Aus dem Leben der Marionetten, Suécia/Alemanha, 1980) surgiu durante a mais dura fase da vida de Ingmar Bergman. Na época, o cineasta sueco vinha sendo acusado de sonegar impostos no país, tendo que fugir para não ser preso. Bergman se estabeleceu em Munique, na Alemanha, onde passou a dirigir um teatro. Tomava remédios para depressão e para insônia. Péssimo momento para um ser humano comum trabalhar, mas não para Bergman. Durante a carreira prolífica, ele se tornara especialista no ato de sintetizar fantasmas pessoais em poderosas reflexões sobre os dramas da condição humana. Desta forma, transformou o próprio sofrimento em um impressionante e perturbador pesadelo sobre sexo, morte e máscaras sociais. Por diversas razões, “Da Vida das Marionetes” jamais recebeu a merecida atenção da crítica especializada. Para começar, a própria condição de exilado limitava a participação de Bergman em festivais de lançamento. O filme também repisava temas (o medo da morte, a dor inerente à alma humana, as prisões sociais) e situações dramáticas (um casal em crise) muito comuns à obra do diretor sueco, algo que para muita gente rebaixava a obra. Foi produzido com baixíssimo orçamento, sendo lançado sem badalação. Adotava o formato quadrado de imagem (1.33:1), como o de um aparelho de televisão tradicional, o que reduzia as chances de ser exibido em circuito amplo de cinemas. Por fim, o próprio cineasta já acalentava a idéia de aposentadoria, o que lhe levava a ser visto por cinéfilos de todo o mundo como um diretor ultrapassado, um dinossauro que não tinha mais nada de novo a dizer. Uma pena, porque filmes como “Da Vida das Marionetes” são raros até mesmo na obra de um cineasta prolífico e intenso, como Bergman. Neste longa-metragem radical, o mestre sueco realiza um desejo que já perseguia há décadas: um estudo minucioso sobre um ato de extrema violência, cometido por uma pessoa comum, durante um curto-circuito emocional. O protagonista é Peter (Robert Atzorn), um empresário rico e bem-sucedido, que vive um casamento aparentemente perfeito com a fotógrafa de moda Katarina (Christine Buchegger). Logo no princípio do filme, num extravagante prólogo dominado pela cor vermelha – quem conhece Bergman sabe o quanto esta cor é importante em um filme dele – Peter mata uma prostituta e faz sexo anal com o cadáver. A partir daí, Bergman subtrai a cor e inicia um poderoso estudo deste ato, em uma narrativa não-linear que salta do passado para o futuro, oferecendo vislumbres da investigação do crime e da vida íntima de Peter, além de uma seqüência de sonho. Ouvimos amigos e parentes de Peter. Vemos flagrantes da intimidade do casal. Aos poucos, as máscaras sociais vão caindo, e descobrimos a verdade sobre Peter e Katarina: um casal emocionalmente impotente, acometido pelo tédio e pela insônia, que nutre uma relação destrutiva de dependência mútua. Algum tempo depois, o próprio diretor diria que “Da Vida das Marionetes” era uma tentativa de estudar as emoções primais de um indivíduo, removendo aos poucos cada camada de proteção que ele ergueu, durante toda a vida, entre ele a sociedade. Ocorre que Bergman faz isso não como um médico-legista, mas como um psiquiatra. Ele não mexe em carne morta, mas em tecido vivo, como se fosse um cirurgião cerebral que opera sem anestesia. Cada uma das seqüências deste filme, uma mais incrível do que a outra, provoca uma onda de choque genuíno nos espectadores. Desarmados, somos apresentados a Peter e então submetidos a seguidas provas de empatia para com um personagem que, a princípio, julgávamos alguém cruel e desalmado. Mas Peter não é um assassino de filme de suspense. Ele é alguém como eu e você. Uma pessoa comum: inteligente, espirituoso, bem-educado, tímido, calado. Alguém taciturno e dominado por tensões que, devido a uma rara e complexa conjunção de fatores, acaba dobrado pelos traumas da própria psique. Cada uma das cenas deste filme magnífico ajuda a construir um retrato intrincado do movimento interno de Peter, até o perfeito golpe final do cineasta. No epílogo circular, quando Peter mata a prostituta, não apenas o compreendemos, como entendemos e até justificamos o ato assassino. Apreciar “Da Vida das Marionetes” é contemplar, de mãos amarradas, os horrores da nossa própria humanidade. Entre tantos momentos primorosos do roteiro, um é a chave para desvendar os mistérios do filme. O monólogo proferido pelo amigo Tim (Walter Schmidinger), sobre si mesmo, diz o seguinte: Há forças que me movem e que não consigo controlar. Médicos, amantes, comprimidos, drogas, álcool, trabalho. Nada ajuda. São forças secretas. Têm nome? Não sei. Talvez seja o processo de envelhecimento. Não tenho controle sobre essas forças. Eu me aproximo do espelho e olho para a minha cara, que se tornou tão familiar. E chego à conclusão de que esta combinação de carne, sangue, nervos e ossos reúne duas pessoas incompatíveis. De um lado, o sonho de intimidade, de ternura, interesses comuns. Do outro a violência, a obscenidade, o horror e a morte. Às vezes penso que têm a mesma origem. Não sei. Como poderia saber?. Quantos cineastas na história do cinema seriam capaz de escrever algo com tanta força, verdade e poesia?" (Rodrigo Carreiro)

Top Suécia #24

Bavaria Film Incorporated Television Company (ITC) Personafilm Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) Österreichischer Rundfunk (ORF)

Diretor: Ingmar Bergman

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Date 11/08/2013 Poster - ####

[Mov 08 IMDB 7,1/10 {Video}

DEPOIS DO ENSAIO

(Efter repetitionen, 1984)

''Henrik Voegler, um consagrado diretor de teatro, costuma permanecer no teatro depois dos ensaios, trabalhando ou dormindo. Anna, a promissora atriz principal de sua nova montagem, retorna depois do ensaio em busca de um bracelete esquecido. O que se segue desse encontro casual leva-nos ao limite entre encenação e realidade, entre arte e vida, entre indivíduos, máscaras e papéis - dentro e fora do teatro.'' (Filmow)

{A temperatura do amor é a solidão que o precede} (ESKS)

Cinematograph AB Personafilm

Diretor: Ingmar Bergman

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Date 15/08/2013 Poster - #####

[Mov 08 IMDB 7,3/10 {Video/@@@@} M/75

DE TANTO BATER MEU CORAÇÃO PAROU

(De Battre Mon Coeur s'est Arrêté, 2005)

"O coração pode não chegar a parar de bater, mas em certos momentos passa perto disso. O diretor Jacques Audiard (roteirista de Instituto de Beleza Vênus, filme que revelou Audrey Tautou) consegue criar um clima tenso, com pouca luz. De Tanto Bater Meu Coração Parou foi baseado no longa Fingers, de 1978, com direção e roteiro do americano James Toback. Realinhado e atualizado, a refilmagem sai de Nova York para Paris e nos mostra como escapar das prisões interiores, mesmo que essas fugas não saiam como planejadas. Indicado ao Urso de Ouro no Festival de Berlim de 2005, a história de "De Tanto Bater Meu Coração Parou" gira em torno de Thomas Seyr (Romain Duris), um rapaz de 28 anos com um dilema em sua vida: seguir o caminho corrupto do pai, no ramo de imóveis, ou o lado virtuoso da mãe, uma talentosa pianista. O amor que sente pelo pai e o dinheiro que os negócios imobiliários lhe rende são as razões para continuar nesse mundo violento e cheio de trapaças. Porém, com o talento herdado da falecida mãe, ele sonha ser um pianista de sucesso. Esse desejo se torna possível quando ele reencontra um antigo empresário que o convida para uma audição. Há dez anos sem tocar, Tom contrata uma professora chinesa que não fala uma palavra sequer de francês, mas eles conseguem se entender claramente por intermédio da música, em uma grande sintonia. No meio de tanta traição, violência e corrupção, a relação entre Tom e seu pai, Robert Seyr (Niels Arestrup), ganha traços de ternura e devoção. Robert consegue transmitir muito amor ao filho, suprindo de certa forma a falta da mãe, exceto no campo profissional, no qual acaba levando-o à corrupção. O ator Romain Duris atua de maneira fria e calculista, oposta à emoção e impulsividade do personagem. Ele expulsa moradores de seus prédios com tacos de beisebol na mão, ao mesmo tempo em que faz de tudo para não desagradar ou magoar o pai. Em algumas cenas, não há como distinguir o sentimento pelo qual está passando, fator que deveria ser mais contrastante em razão da dualidade vivida pelo personagem. Apesar de "De Tanto Bater Meu Coração Parou" não ser tão introspectivo quanto outros filmes do cinema francês - o que pode decepcionar alguns -, o conjunto da produção tem saldo positivo, principalmente pela ambientação criada pelo diretor Jacques Audiard, por meio de cenas escuras e frias que abrem espaço ao nervosismo quase psicótico do protagonista, cheio de tiques nervosos e um vício incontrolável por cigarro. Um conceito audacioso e escancarado sobre o crime organizado que nos faz pensar em cada escolha feita na vida e, principalmente, nos relacionamentos familiares. "De Tanto Bater Meu Coração Parou" vai segurar o espectador na poltrona até o final, se não pela narrativa pesada - nem todos gostam -, pela curiosidade em descobrir qual caminho Tom seguirá. Tem tudo para agradar a todos, mas sem grandes expectativas." (Livia Brasil)

''De fato, trata-se de um filme taquicárdico. As primeiras cenas do De "Tanto Bater, Meu Coração Parou'' (França, 2005), do co-roteirista e diretor Jacques Audiard (Read my Lips, A Self Made Hero), baseado no filme Fingers, escrito e dirigido por James Toback, já começam em 220V. Planos fechados, cortes rápidos, diálogos ensandecidos e verborrágicos. Tom (Romain Duris, de Exílios, Albergue Espanhol), 28 anos, faz pequenos negócios no ramo de corretagem imobiliária ao seu estilo mafioso e violento: coloca ratos no imóvel pra desvalorizar o negócio, expulsa os sem-teto que invadem o local, trata pessoalmente de dívidas com os devedores de modo nada amigável. Muitas vezes, se vê obrigado a proteger seu pai acertando contas com trambiqueiros dessa maneira truculenta e pouco ortodoxa. Assim o filme constrói seu universo niilista, preenchido por pobres e aproveitadores, fracassados, estrangeiros, desiludidos sem perspectiva em seus vazios existenciais. Mas uma oportunidade inesperada leva Tom a acreditar que pode se tornar, como sua mãe, um grande pianista. Aí o filme muda de ritmo, dá uma acalmada, concentra-se em planos mais abertos e mais demorados. Com muita dedicação, ele começa a se preparar para uma audição com uma virtuose chinesa, que não fala nada de francês. (Repare como há diferentes maneiras de abordar o estrangeirismo na França: em Lila Diz, a personagem chinesa é uma prostituta; aqui, é uma graduada em música erudita). Ambos estabelecem como único elo de relacionamento a música. Cada nota representa uma palavra, cada timbre significa um estado emocional. Se não fosse a competência do diretor, esse dilema ficaria meio esquemático. A opção do protagonista entre ingressar no mundo belo, sério e artístico, ou se perpetuar nos feios e sujos bas fonds dos negócios lucrativos porém escusos. Aqui, há um dinamismo cênico de deixar qualquer marcapasso em parafuso. Sim, o filme funciona à base de calmantes e estimulantes o tempo todo. Mas essa alternância de estados reativos bipolares não indica qualquer tipo de obviedade. Pelo contrário, são maneiras experimentais de se tatear um caminho para o encontro de algo que não sabemos exatamente o que é. Talvez esse seja o grande mérito do filme. Não na mudança rítmica, estética e cromática, pois seria simplista demais. Mas em manter as ambigüidades acima das aparências, sem cair em psicologismos fáceis. De Tanto Bater... não chega exatamente a condenar suas crias com formulações estereotípicas. Tampouco é um filme que prega a redenção salvacionista. O pai de Tom, da maneira fora de forma como está caracterizado, é sim um loser. Mas guarda dentro de si uma vontade rancorosa de mudar o estado das coisas e melhorar de vida, assim como o filho, mesmo que tem a plena consciência de que não irá conseguir. Através dessas caracterizações, o filme não fica sendo nem determinista nem transformista de sua realidade nua, crua e podre. Consegue ser muito mais dialético do que bipartidário e mecanicista, explorando com cuidado as incertezas humanas e extraindo um belo conteúdo de seus impasses. De Tanto Bater... é um raro exemplo de que o por-cima-do-murismo não indica apatia nem falta de opinião própria. Haja pulso firme." (Érico Fuks)

2006 César / 2005 Urso de Ouro

Why Not Productions Sédif Productions France 3 Cinéma Cofimage 15 Canal+ CinéCinéma Région Ile-de-France

Diretor: Jacques Audiard

13.236 users / 1.340 face

Check-Ins 289

Date 21/08/2013 Poster - #####

[Mov 07 IMDB 5,7/10] {Video/@@@@@} M/67

DESCOBRINDO O AMOR

(Damsels in Distress, 2011)

TAG WHIT STILLMAN

{simpático}

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Sinopse

''É uma comédia sobre um trio de belas garotas – a dinâmica líder, Violet Wister (Greta Gerwig); a de bons princípios, Rose (Megalyn Echikunwoke) e a sexy Heather (Carrie MacLemore) - e como elas revolucionaram a vida em uma Universidade grungy americana. Elas dão as boas vindas à estudante Lily (Analeigh Tipton) em seu grupo, que procura ajudar alunos deprimidos com um programa de boa higiene e números musicais de dança. As garotas se envolvem romanticamente com uma série de homens – incluindo o tranquilo Charlie (Adam Brody); o atraente Xavier (Hugo Becker); e com os machões Frank (Ryan Metcalf) e Thor (Billy Magnussen) - que ameaçam a amizade e sanidade das garotas.''

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[Mov 07 IMDB 6,1/10 {Video/@@@@@}

DON'T YOU FORGET ABOUT ME

(Don't You Forget About Me, 2009)

"O filme é um documentário sobre John Hughes, o cineasta norte-americano que praticamente inventou a comédia adolescente dos anos 80. Entre 1984 e 1986, Hughes dirigiu uma série de filmes marcantes: Gatinhas e Gatões, Clube dos Cinco, Mulher Nota Mil e Curtindo a Vida Adoidado, além de ter escrito A Garota de Rosa Shocking, dirigido por seu parceiro, Howard Deutch. Hughes criou um estilo particular de filmar comédias adolescentes, com uso de metalinguagem (os personagens às vezes falavam diretamente para a câmera), ótimas trilhas sonoras, e uma atmosfera que misturava nostalgia e uma certa dose de picardia. Foi um estouro e lançou a carreira de inúmeros atores de sucesso, como Molly Ringwald, Macaulay Culkin, Demi Moore, Rob Lowe, Judd Nelson, Ally Sheedy e Matthew Broderick, entre outros. No início dos anos 90, Hughes sumiu de Hollywood e voltou para os arredores de Chicago, onde havia crescido. Nunca mais dirigiu um filme. Em 1994, depois da morte do amigo John Candy, com quem filmou o ótimo Antes Só Do Que Mal Acompanhado, Hughes tornou-se ainda mais recluso. “Don’t You Forget About Me” usa como ponto de partida justamente o sumiço de John Hughes e mostra o esforço dos cineastas para encontrá-lo. Assim como os filmes de Hughes, o documentário conta uma ótima história de forma simples." (Andre Barsinski)

"O diretor John Hughes (A Garota de Rosa Shocking) estará em breve de volta às telas de cinema. Desta vez, o enfoque da história não será o universo dos adolescentes como o diretor costumava mostrar em seus filmes, mas sim a trajetória de sucesso traçada por ele. De acordo com a Variety, um documentário finalizado pouco tempo antes da morte do Hughes tem como objetivo fazer um tributo ao diretor que se tornou referência para filmes de adolescentes. O documentário traz participações de diversas pessoas que trabalharam com Hughes, entre eles o ator Alan Ruck e a atriz Mia Sara, parceiros no longa de maior sucesso do diretor, "Curtindo a Vida Adoidado", além do diretor Kevin Smith (Duro de Matar 4.0). Por enquanto não há confirmação de quando o documentário chegará ao cinema, sendo que apenas foi informado um trecho que estará no documentário, uma declaração do diretor e amigo de Hughes, Kevin Smith. "Ninguém nunca vai ter aquele tom, aquele tema, aquele despertar da imaginação. Hughes era insanamente abençoado", disse Smith. John Hughes é considerado no meio do cinema e pelos fãs como o mago dos filmes adolescentes, por saber exatamente como abordar as principais preocupações juvenis dos jovens americanos. Com sua morte, fica um legado de obras importantes para o cinema como Curtindo a Vida Adoidado e O Clube dos Cinco.'' (Vitor Quartezani)

Stay The Course Productions

Diretor: Matt Sadowski

698 users / 481 face

Check-Ins 309

Date 08/09/2013 Poster - #####

[Mov 08 IMDB 7,7/10 {Video}

DE CRÁPULA A HERÓI

(Il generale della Rovere, 1959)

"Antes de se consagrar como diretor no pós-guerra, autor de clássicos do neo-realismo como "Ladrões de Bicicletas", Vittorio de Sica foi um dos atores mais populares do cinema fascista italiano, sempre no papel do sedutor barato. Daí a auto-ironia de seu personagem, um velho conquistador em apuros, em "De Crápula a Herói" (1959). Quando o filme começa, ele já está atolado em sua arte de simulador. Na Itália da Segunda Guerra, é como se o grande teatro guerreiro tivesse feito esse velho sedutor perder o senso das proporções de seu pequeno teatro cotidiano. Mas essa mesma guerra que o transformou em monstro pode convertê-lo em herói. O filme é mais uma bela história de conversão da obra de Roberto Rossellini, ele próprio um diretor que debutou com o fascismo, dirigindo filmes de propaganda, antes de se converter à Resistência durante a guerra e forjar, com pedaços de películas traficadas, a nova imagem da Itália em Roma, Cidade Aberta. O filme reúne dois gênios do cinema italiano num irônico mea-culpa. De Sica relê seu velho papel de sedutor sob a ótica do colaboracionismo. Impostor, ele se faz passar por um coronel colaboracionista para ludibriar parentes de prisioneiros do regime. A ironia está no fato de que esse falsário só precisará levar até o fim seu senso de teatralidade para se converter em herói -uma conversão pela contradição, ao estilo dos heróis brechtianos. Quando leva seu personagem a julgamento, Rossellini inverte o processo para colocar o fascismo, um regime criminoso especializado em aliciar falsários, no banco dos réus. Coagido pelos alemães a se fazer passar por um líder da Resistência, o protagonista vai encarnando progressivamente seu novo papel. De forma cada vez mais teatral, o crápula vai se convertendo em herói. Eis um personagem que só o cinema do pós-guerra poderia conceber. Eis aqui uma lição sobre a verdadeira natureza do heroísmo que coube a todo o cinema do pós-guerra." (Tiago Mata Machado)

34*1960 Oscar / 1959 Lion Veneza

Zebra Film Société Nouvelle des Établissements Gaumont (SNEG)

Diretor: Roberto Rossellini

1.574 users / 78 face

Check-Ins 322

Date 14/09/2013 Poster - ######

[Mov 02 IMDB 5,5/10] {Video/@@} M/35

DIANA

(Diana, 2013)

TAG OLIVIER HIRSCHBIEGEL

{esquecível}

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Sinopse

''Prestes a se divorciar de Charles, a princesa Diana (Naomi Watts) divide seu tempo entre a solidão da vida no palácio em que vive e os compromissos que possui com diversas entidades beneficentes. Um dia, ao saber que um amigo foi operado às pressas, ela vai até o hospital em que está internado e lá conhece o doutor Hasnat Khan (Naveen Andrews). Diana logo fica encantada pelo fato dele não a tratar como uma princesa, apesar de saber quem ela é. Não demora muito para que iniciem um relacionamento, mantido às escondidas devido ao desejo de Hasnat em ter uma vida reservada.''

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Soundtrack Rock

Pet Shop Boys

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[Mov 01 IMDB 4,9/10] {Video/@} M/16

DEUS NÃO ESTÁ MORTO

(God's Not Dead, 2014)

TAG HAROLD CRONCK

{esquecível / lixo}

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Sinopse

''Josh Wheaton (Shane Harper) é um estudante que tem sua fé desafiada por seu professor de Filosofia, Mr. Radisson (Kevin Sorbo), que acredita que Deus não existe. Gira em torno da vidas de várias pessoas que também são desafiadas por um mundo que acredita que Deus não existe.''

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[Mov 10 Fav IMDB 7,1/10 {Video/@@@@@}

DEPOIS DE LÚCIA

(Después de Lucía, 2012)

Trauma e bullying na obra-prima de Michel Franco.

"Pouco conhecido no cenário cinematográfico mundial, Michel Franco acumula apenas dois longas-metragens em sua carreira, mas já surge como uma promessa de realizador com aspectos bem autorais. Em seu primeiro trabalho, Daniel & Ana (Idem, 2009), o cineasta mexicano apresentou um drama chocante que, como pano de fundo, investigava uma realidade da Américas do Sul e Central (pornografia online sem consentimento) e o comportamento de dois jovens após um transtorno de estresse pós-traumático. Em sua nova obra, Depois de Lúcia (Después de Lucía, 2012), Franco só troca o cenário pela capital mexicana, pois as temáticas retornam com equivalente intensidade, apesar de superior consistência e abrangência. Após uma tragédia familiar, a jovem Alejandra (Tessa Ia) e o pai, Roberto (Hernán Mendoza), mudam-se do litoral do México para a capital do país, onde tentarão superar o passado e iniciar uma nova vida. Enquanto o pai tenta se adaptar ao novo emprego, a filha mostra-se mais bem-sucedida e logo se enturma com os colegas de uma escola classe A – até que um ato impensado de Ale redunda num terrível caso de bullying (termo que aqui tem sua noção e seus parâmetros redefinidos). Ciente do poder de seu roteiro, Michel Franco é soberbo mesmo quando opta pela economia. Exemplo disso é a direção de fotografia: embora adotem os mais variados enquadramentos, Franco e Chuy Chávez mantêm a câmera estática durante todo tempo (a exceção é o flashback de um acidente), tornando ainda mais angustiantes os planos longos e os planos-sequência. Tal desconforto é acentuado pela (ausência de) trilha sonora, restrita a sons diegéticos, assim como um admirável trabalho de preparação de elenco, que confere realismo e naturalidade aos diálogos e às intensas cenas, estreladas por jovens que em nenhum momento parecem atores (e provavelmente não eram), mas adolescentes inconsequentes de uma abastada Cidade do México, resguardados pela ineficiência da lei e pela condescendência de pais tão omissos que em nenhum momento abrem a boca. Porém, a maior sacada e prova da economia de Michel Franco vem desde o título. A personagem-título desencadeia todos os eventos da trama sem jamais aparecer na tela ou ser, ao menos, citada nominalmente. Sua ausência está sempre presente no abatimento dos protagonistas. A traumática morte de Lucía é responsável por uma dedicação recíproca na relação pai e filha que, irônica e paradoxalmente, é responsável pelas fatídicas situações da trama. Se Roberto, por exemplo, mostra-se flexível aos deslizes de Ale, ela por sua vez preocupa-se com a vida pessoal e amorosa do pai, que exala instabilidade emocional. Então a jovem, numa tentativa suicida de não levar seus problemas pessoais ao abalado pai, fica vulnerável a todas as provações às quais é submetida, tornando compreensível e comovente a passividade e a discrição com que administra a brutalidade que sofre na escola. Nesse sentido, vale ressaltar a incrível atuação da dupla de protagonistas. Hernán Mendoza incorpora um homem com a expressão facial e corporal de uma pessoa depressiva, mas, pelo modo contido como se porta diante da filha, é a verdadeira representação de uma bomba-relógio ambulante, que explode sempre que ausente de Ale (comportamento que faz do impactante desfecho a opção mais coerente dentro da trama). Tessa Ia surge confiante, madura, mas através da aparente força de seu semblante inócuo transborda a emoção e a vulnerabilidade de uma jovem que, no fundo, sofre pela morte da mãe e pela tristeza do pai. Uma atuação estupenda. Contudo, a razão da excelência de Depois de Lúcia deve ser mesmo atribuída ao promissor Michel Franco. O diretor e roteirista inicia o terceiro ato com um leitmotiv que o interliga ao início do filme e estabelece, assim, o sentimento de desolação e desapego que conduz Roberto durante toda projeção, justificando assim seu trágico desfecho. Eis a conclusão brilhante que eleva o segundo longa-metragem de um cineasta à condição de obra-prima." (Rodrigo Torres de Sousa)

"Pela lista do funcionário da oficina, o acidente foi grave: tudo ou quase foi substituído no carro que Roberto (Hernán Mendoza) vai buscar -para logo abandonar numa avenida, na primeira das muitas omissões sobre as quais se constrói a trama de "Depois de Lúcia", segundo longa do mexicano Michel Franco. No trajeto, vemos a nuca do motorista, as mãos no volante, o que reflete no retrovisor. Passam-se minutos até que surja na tela um rosto, o perfil de Alejandra (Tessa Ia), a filha adolescente com quem Roberto se muda da costa do Pacífico à Cidade do México. O recorte visual das primeiras cenas e os ruídos urbanos que sublinham o mutismo quase absoluto dos personagens informam que o filme é tenso. Mais que isso: "Depois de Lúcia" é violento. Tudo nele remete a atos de negação. O acidente que separa antes e depois de Lúcia (a mãe e mulher morta, cujo nome, simbolicamente, jamais é dito) só é mencionado quando a burocracia assim exige. A mudança é uma fuga; a casa vazia, uma tentativa de anular as lembranças. Muros espessos de silêncio se erguem em torno da adolescente: entre pai e filha há cumplicidade, não abertura. Após ser inicialmente aceita pelos colegas da nova escola de classe média alta, a tímida menina comete um deslize -e por ele é moralmente julgada e torturada. Ale tudo cala, preocupada com o estado aparentemente mais deprimido do pai. Mais que a preocupação, porém, só a culpa talvez possa explicar o inverossímil estoicismo com que suporta os suplícios que lhe impingem os colegas. O filme de Michel Franco levou o prêmio da mostra Un Certain Regard de Cannes em 2012 -em grande parte pelo tema, central hoje. O já gasto termo bullying se define aqui em sua integralidade, indo do achaque moral à violência física e sexual. A protagonista, qual uma Joana D'Arc, aceita como missão o seu martírio -que atinge o espectador, transido diante dos atos de adolescentes que parecem habitar um mundo ao qual os adultos não têm (ou não querem ter) acesso -num dos exageros do filme. Seria possível tal alheamento quanto ao que fazem alunos e filhos? Quando o espectador já não aguenta, Franco oferece uma resolução abrupta (e violentíssima) que, se por um lado vem resolver um impasse dramatúrgico, por outro sugere a descrença do cineasta nas instituições de seu país. Apesar dos poréns, é um filme importante; talvez seja lícito entender seu tom hiperbólico como bandeira voluntária, a urgir pais a olhar e ouvir mais seus filhos." (Francesca Angiolillo)

"Seria difícil comprar a aceitação masoquista da menina sobre sua condição miserável perante o mundo mesmo se o filme conseguísse justificá-la; como não é o caso, procuramos valor em alguns interessantes aspectos da obra, especialmente a persona do pai." (Daniel Dalpizzolo)

"Acredito que os exageros e a falta de realismo sejam para deixar bem claro que, para a vítima do bullying, os efeitos são muito mais devastadores do que sempre aparentam. Esse exagero, porém, tira um pouco da humanidade e nos distancia dos personagens." (Alexandre Koball)

"Deixou a misoginia de Trier no chinelo. Fetiche sádico, apelativo, repulsivo e - ao contrário do que pregam - anos-luz de distância da realidade." (Heitor Romero)

"É misantropia reunir bullying e senso de impunidade (problemas SOCIAIS) em um contexto propenso? Se Franco é misógino, por que pensa cenas de modo a gerar desconforto? Um filme sobre temas urgentes não pode se permitir concessões. Fazê-lo seria covardia." (Rodrigo Torres de Souza)

''"Um dos melhores filmes da temporada passada, choca ao mesmo tempo em que apresenta um cineasta latino repleto de vigor e autoralidade. Uma das mais bem sucedidas experiências sensoriais do ano passado, provoca encanto e repulsa num só tempo." (Francisco Carbone)

"O problema de Depois de Lúcia nem é ser sádico. O problema é, enquanto cinema, ser ruim mesmo." (Bernardo D.I. Brum)

Drama de luto mexicano associa bullying com autopenitência.

"Tema recorrente nas artes, o luto tem facetas diversas no cinema. Em ''Depois de Lucía'' (Después de Lucía), drama em sintonia com a safra de filmes mexicanos que circulam festivais nos anos 2000, quase sempre secos e agressivos, às vezes beirando o sadismo, o luto assume a forma da autopenitência. Viúvo recente, Roberto e sua filha Alejandra, de 15 anos, deixam o balneário de Puerto Vallarta e se mudam para a Cidade do México, onde recomeçam suas vidas em um novo emprego e uma nova escola, respectivamente. Nenhum dos dois lida bem com a mudança, porém, mas Alejandra sofre mais, quando se torna alvo de bullying no colégio. Quando logo descobrimos que a Lucía do título é a mãe de Alejandra, morta em um acidente de carro, começa a ficar mais claro o sentimento de culpa que toma os dois personagens. Desde o primeiro plano-sequência do filme, quando um veículo é abandonado no meio do tráfego, entendemos que pai e filha têm dificuldade em conviver com más lembranças. O que vem a seguir é uma sucessão violenta de outros abandonos, que despem os dois personagens desse fardo que carregam, desde o cabelo que Alejandra corta sozinha até a decisão do pai de largar-se na incivilidade. O que o diretor Michel Franco procura dizer neste seu segundo longa-metragem é que o mundo - particularmente o da Cidade do México - não consegue amparar pessoas assim. Então quando Alejandra se torna alvo de uma violência (a escola só se mostra preparada para inibir o uso de drogas, não o bullying), que ela entende como um castigo, todos se veem incapazes de ajudá-la. Dá pra discutir, a partir daí, se é válida ou forçada essa aproximação que Franco faz entre o bullying e o luto. Do seu lado, ao invés de tentar separar as duas coisas, o diretor opta pelo impacto, para misturá-las. O barulho do carro que abre o filme é o mesmo barulho da lancha que o encerra; Depois de Lucía tem na cacofonia seus dois marcos definidores. Assim como também é cacofônico esse realismo sem meias palavras feito pelo cinema mexicano atual, que teve em Alejandro González Iñárritu seus esboços e depois levou aos primeiros filmes de Carlos Reygadas, ao Os Bastardos de Amat Escalante (protegido de Reygadas, não por acaso) e deteriorou em Ano Bissexto de Michael Rowe. Talvez seja a influência de outra escola contemporânea de realismo, a romena, que também faz sucesso nos festivais (Depois de Lucía ganhou a mostra Um Certo Olhar em Cannes em 2012), mas enquanto os romenos frequentemente são mais reflexivos, colocando a história do seu país em contexto, esse realismo mexicano parece mais curto, reativo, como se colocasse em prática só a primeira solução encontrada para um problema proposto, e não necessariamente a melhor solução." (Marcelo Hessel)

Pop Films Filmadora Nacional Lemon Films Stromboli Films

Diretor: Michel Franco

2012 Palma de Cannes

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Date 15/10/2013 Poster - ######

[Mov 06 IMDB 5,7/10 {Video/@@}

DEMENTIA 13

(Dementia 13, 1963)

''Antes de ser adorado por hordas de cinéfilos pela trilogia O Poderoso Chefão, para muitos o melhor filme da história do cinema, e de dirigir Apocalypse Now, um dos filmes essenciais de guerra, quiça o melhor, Francis Ford Coppola sofreu como qualquer outro cineasta novato na indústria. Junto a Roger Corman, conhecido por produções de baixíssimo custo e amadoras, os apelidados Filmes B, Coppola tentou dentro das limitações orçamentárias criar uma versão econômica de Psicose de Alfred Hitchcock, que 3 anos antes havia surpreendido o público com a engenhosidade e coragem da narrativa. O resultado é este ''Demência 13'', um filme pobre na sua execução mas com uma boa ideia na ponta da caneta. Mesmo incapaz de arranhar as solas do sapato de um dos clássicos do mestre do suspense, ''Demência 13'' tem méritos próprios no roteiro também escrito por Coppola. Nele, a interesseira Louise (Luana Anders) inconscientemente favorece a morte do seu marido John, vítima de um infarto fulminante, e temendo perder a polpuda herança resolve esconder o corpo no fundo do lago e escrever uma carta falsa supostamente assinada por ele. Para manter a mentira, Louise viaja à propriedade da sogra (Eithne Dunne) na Irlanda para celebrar o aniversário de falecimento da filha caçula Kathleen, que morreu afogada no lago em frente à casa, e aproveitando a superstição em volta do ocorrido, ela bola um plano para desenterrar certas memórias e, talvez, obter a sua parte no quinhão. Claro que como a igualmente ambiciosa Marion Crane escondia-se com o dinheiro roubado no motel de Norman Bates apenas para ser vítima da sua própria ganância, Louise também encara um destino macabro diante de si por razões idênticas. Mas primeiro, ela tem que superar a desconfiança do primogênito Richard (William Campbell), um homem vivo que não a aceita na família, além de tentar passar desapercebida pelo radar de Billy (Bart Patton), o irmão mais novo de Richard, e do sinistro Simon (Karl Shanzer), o médico da família cujos interesses vão bem mais além do que apenas o zelo pela saúde dos seus membros. A tendência é que o plano descarrilhe e ela seja desmascarada, até que Coppola inteligentemente subverte as expectativas com uma mudança no rumo da narrativa que só não é mais bem-sucedida porque existe nas sombras de Psicose. As semelhanças são nada menos do que assustadoras! O assassinato mais famoso do mundo não ocorre mais no chuveiro e sim no lago, a faca é trocada por um machado e mesmo a essência de cortes secos e golpes com forte uso da trilha sonora também é empregada por Coppola, embora de uma maneira desajeitada. A alteração inesperada do protagonista e aquilo que assola o taciturno vilão têm toques parecidos, e não é difícil enxergar um Norman Bates menor caminhando nos campos despido agora das roupas da mãe. Ora, inclusive o título antevê talvez intencionalmente a correlação inevitável entre os filmes, o que mostra o oportunismo de Coppola de devorar as migalhas deixadas por Hitchcock. Sobra apetite, faltam recursos. Certos cenários parecem feitos de qualquer maneira, sem cuidados rigorosos, como o calabouço onde ocorre uma importante descoberta. Já a imaturidade dos montadores Stuart O’Brien e Morton Tubor combinada com a inexperiência de Coppola sobretudo na decupagem das cenas produz sequências mais involuntariamente constrangedoras do que assustadoras: a presença de uma coruja durante a exploração dos arredores é desencontrada e os ataques do misterioso agressor forçam a barra com cortes mal acabados e nada convincentes (até agora tento entender como exatamente o assassino desferiu machadadas nas mãos de uma pessoa e fez sangrar o seu rosto… deve ter sido a falta dos meus óculos). A única opção é ignorar o baixo orçamento e fazer como sugere o Dr. Simon, ou seja, manter a mente aberta e ser feliz, para quem sabe eximir os defeitos deste bom ''Demência 13''. Parece mais difícil do que é, mesmo porque a inquietante trilha sonora de Ronald Stein, cuja melodia parece saída de uma caixinha de música antiga, ajuda a entrar no clima tenebroso e a duração de pouco mais de 70 minutos torna a homenagem de Coppola a Hitchcock um suspense breve e indolor." (Marcio Sallen)

''Francis Ford Coppola, diretor de obras memoráveis, como por exemplo: a trilogia de O Poderoso Chefão, o caótico Apocalypse Now, e, talvez, o menos comentado de todos, mas ainda assim brilhante, A Conversação, começa a sua filmografia com um gênero que, até então, só tornou a repetir a dose, na adaptação do famoso romance de Bram Stoker. No ano de 1963, o americano dirigiu "Demência 13" - lembrando que o número 13 foi acrescentado, apenas para diferenciar a obra de Coppola, da obra de John Parker, realizada em 1955 - um slasher B de curta duração, em torno de 75 minutos, que conta com o lendário Roger Corman, na produção do seu primeiro filme. De fato, não foi uma estréia que já demonstrava o que estava por vir, mas ainda assim, é interessante notar o comportamento do diretor em sua primeira viagem. É impossível comentar sobre o nascimento desse grande diretor, sem tocar no nome de Roger Corman. Quando Coppola estudou cinema na Universidade da Califórnia, em Los Angeles, ele chegou a dirigir diversos curtas-metragens, mas nada muito chamativo. Anos depois, começou a trabalhar com um dos grandes nomes do Cinema B, que já foi citado anteriormente, escrevendo roteiros e até mesmo operando nas suas produções. Corman abriu as portas para Coppola, tendo um papel de padrinho, no começo da sua jornada no mundo da sétima arte. "Demência 13" chega a resgatar alguns aspectos das produções da época, como por exemplo: pequena duração, elenco desconhecido, e a típica violência gráfica, mas ainda com doses acentuadas. O enredo se baseia numa maldição que assombra o castelo Haloran, palco de acontecimentos inexplicáveis, e moradia de uma nobre família irlandesa. Depois da morte de Kathleen, uma jovem menina que se afogou no lago do castelo, enquanto brincava com o seu irmão, a vida deles nunca mais foi a mesma. Todos os anos, sua mãe e seus irmãos seu reúnem para celebrar essa triste data, entretanto, por já ser mais velha, a matriarca acaba desenvolvendo alguns problemas psicológicos. O que não passava de mais uma celebração rotineira, acaba virando um caos indescritível para a família. Um assassino está à solta, no castelo, mas ninguém sabe o que ele realmente quer. Coppola demonstra que sabe trabalhar com os gêneros suspense/terror, mesmo demorando um bom tempo para engrenar num ritmo compatível, mediante ao fato da lentidão do primeiro ato. O diretor utiliza de uma fotografia escura e uma trilha sonora pesada, para enriquecer a atmosfera lúgubre dos takes. Sem dúvida alguma, um aspecto que veio do aprendizado com Roger Corman. No entanto, podemos notar certo despreparo na montagem. Por vezes, certos takes desnecessários, que antecedem o ápice do suspense, acabam prejudicando extremamente, o efeito desejado. Se por um lado Coppola peca em certas cenas, por outro, ele consegue melhorar o nível da produção de forma incomparável. A oscilação é nítida, e acaba prejudicando o produto final. Alguns momentos positivos estão associados aos trechos em que os diálogos e as atuações têm uma combinação extremamente agradável. Quando Billy - Bart Patton - comenta com Kane - Mary Mitchel - sobre o seu sonho, e começa a descrevê-lo, o espectador chega a sentir um desconforto prazeroso. É uma pena que Coppola dirigiu "Demência 13" tão cedo, afinal de contas, imagino que teríamos uma obra-prima em mãos, caso ele tivesse produzido depois do seu memorável amadurecimento cinematográfico. Outro aspecto extremamente interessante, que demonstra a influência de grandes diretores nas obras de Coppola, é a utilização do MacGuffin, conceito que estava presente em boa parte dos filmes de Alfred Hitchcock. O MacGuffin consiste num objeto que serve de pretexto para dar andamento ao filme, tendo papel coadjuvante, com o passar do tempo. Em "Psicose", o dinheiro roubado é o MacGuffin, que só serve para levar a personagem de Janet Leigh, até o hotel dos Bates. No caso de "Demência 13", o objeto em questão é o testamento da família, que interessa a personagem de Luana Anders. No decorrer do filme, esse assunto é soterrado, frente ao mistério que circunda o castelo de Haloran. Alfred Hitchcock já era extremamente reconhecido, e Coppola foi um dos diversos diretores que se inspiraram em suas obras-primas. Com um roteiro bem mediano, que acaba prejudicado pela duração, Coppola dá inicio à sua filmografia, demonstrando o seu aprendizado, e as influências dentro do seu cinema. Como foi dito anteriormente, o filme oscila e não dá espaço para um desenvolvimento mais detalhado, que, de fato, ajudaria muito no produto final. Uma estréia morna que não demonstrava uma ascensão tão significativa. Coppola acertou no cinema, quando decidiu expor o seu talento, em vez de ficar submisso aos mestres que o rodeavam. Nós agradecemos por isso.'' (Adm DownSux)

Filmgroup Productions

Diretor: Francis Ford Coppola

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Date 30/11/2013 Poster - ######

[Mov 06 IMDB 6,1/10] {Video/@@@@}

DAWSON ILHA 10

DAWSON ILHA 10 – A VERDADE SOBGE A ILHA DE PINOCHET (unofficial)

(Dawson Isla 10, 2009)

TAG MIGUEL LITÍN

{informativo}

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Sinopse ''Dawson, Ilha 10, aborda o golpe militar que em 1973 derrubou o governo democrático de Salvador Allende e vitimou milhares de chilenos, dando início a uma das mais longas e sangrentas ditaduras da América Latina. O filme mostra o sofrimento de ministros do governo Allende que foram aprisionados em uma ilha gelada, de clima antártico, onde funcionou um campo de concentração projetado pelo criminoso nazista Walter Rauff, então refugiado no Chile. A história é baseada no livro Isla 10, de autoria de Sergio Bitar - então ministro das Minas e Energias do governo Allende e, à época do lançamento do filme, ministro do governo de Michelle Bachelet. O filme utiliza cenas reais e revela os minutos finais do presidente eleito Salvador Allende, entrincheirado e resistindo solitário no Palácio La Moneda, onde foi assassinado pelos militares chilenos.''

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[Mov 03 IMDB 6,2/10 {Video}

DESBRAVANDO O OESTE

(The Way West, 1967)

''O Senador William Tadlock recruta a ajuda do veterano Dick Summers e lidera uma caravana com colonizadores do Missouri ao Oregon através de território Sioux. Tadlock é um capataz de altos princípios e tão exigente e duro consigo mesmo quanto é com os que se juntaram a ele na aventura. Ele se choca com um dos novos colonos, Lije Evans, que não aprecia bem os modos de Tadlock. Quando um de seus homens atira acidentalmente num garoto índio, a situação se complica e põe em risco todos os homens envolvidos na missão. Aqui veremos também uma jovem Sally Field no papel da levada Mercy McBee." (Filmow)

''Cada gênero cinematográfico teve, ao longo da história do cinema, seus clássicos, alguns deles reconhecidas obras-primas do cinema. Cada gênero teve seus principais diretores que praticamente contam-se nos dedos de uma mão. É assim com os musicais, com os filmes policiais (noir incluídos), comédias, melodramas e até os épicos. No gênero western enquadram-se entre os grandes diretores, identificados pelos clássicos que filmaram, Anthony Mann, John Sturges, Sam Peckinpah, Budd Boetticher e Howard Hawks. Acima de todos paira John Ford. Se a intenção for polemizar poderiam entrar nessa relação Sérgio Leone, Raoul Walsh e Henry Hathaway. E fecha-se a lista. Assim é o cinema, as artes em geral, os esportes e a própria vida. Nem todos podem ter o mesmo talento e a mesma inspiração. Quando muito, pode-se ter as mesmas condições de trabalho, no caso do cinema, atores e técnicos. Por que então exigirmos que todos os diretores de westerns os façam com a mesma qualidade? Todo esse intróito foi escrito lembrando o que os críticos, entre eles Rubens Ewald Filho, pensavam a respeito de Andrew V. McLaglen: um diretor de western sem talento e que perseverou no gênero fazendo filmes quase todos eles medíocres. De fato, Andrew V. McLaglen dirigiu uma dúzia de westerns sem que nenhum deles se tornasse um clássico. Chegou perto disso com Shenandoah, mas quando os mestres do gênero já estavam se aposentando, McLaglen dirigiu westerns apreciáveis como Os Renegados (Something Big) e O Preço de um Covarde (Bandolero) e as comédias Quando um Homem é Homem (McLintock!), Raça Brava e A Indomável. Andrew V. Mclaglen sempre foi acusado de imitar o estilo de John Ford e provavelmente o melhor exemplo dessa tentativa foi com “Desbravando o Oeste”, de 1967. A partir do livro The Way West, de autoria de A.B. Guthrie Jr. (roteirista de Shane), premiado com o Pulitzer e participação também de Ben Maddow (roteirista de Johnny Guitar) no script, “Desbravando o Oeste” conta a saga de famílias que partem em direção ao Oregon. No caminho enfrentam toda sorte de perigos, desde Sioux atrás de água de fogo (whiskey), deserto interminável, rios e montanhas difíceis de transpor. Além disso há o convívio prolongado das centenas de pessoas da caravana originando não só amizade mas também cobiça, paixões e ódio. E fica-se a imaginar o que Ford faria com esses temas, ainda mais contando com a magnífica cinematografia de William Clothier. Pois McLaglen não decepcionou e conta a história de maneira envolvente, ainda que sem aquele toque poético que Ford melhor que ninguém era capaz de dar a cada situação que surge durante a longa caminhada da caravana. Do excelente elenco reunido destaca-se Robert Mitchum como o indolente guia da caravana que só abandona sua habitual apatia quando se trata de salvar vidas. Kirk Douglas é um ex-senador visionário que lidera com sadismo a empreitada. Richard Widmark um fazendeiro que se deixa contaminar pelo espírito de aventura da conquista da terra prometida. Ambos bastante bem mas Bob Mitchum é quem vence a luta surda entre os três grandes atores. Jack Elam rouba todas as cenas em que participa como um irreverente pregador. O elenco feminino tem Lola Albright e Sally Fields em seu primeiro filme, cada qual despertando a líbido masculina na longa jornada. Um envelhecido Harry Carey Jr. é uma lembrança inequívoca de Caravana de Bravos (Wagonmaster), de John Ford, enquanto Roy Barcroft e Peggy Stewart são carinhosas lembranças da Republic Pictures. Stubby Kaye, Patric Knowles e Nick Cravat também têm participações em meio a um numeroso elenco. Nick Cravat, por sinal, tem uma única fala no filme, muito mais que quando acompanhava Burt Lancaster. É mais que hora de fazermos justiça a Andrew V. McLaglen, um cineasta que se não foi tão bom quanto queríamos que ele fosse, pelo menos nos contemplou com inúmeros westerns quando estes começavam a escassear, até chegarmos à seca que são os tempos atuais." (Darci Fonseca)

Harold Hecht Productions

Diretor: Andrew V. McLaglen

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Date 30/11/2013 Poster - ###

[Mov 05 IMDB 5,3/10 {Video/@} M/28

DURO DE MATAR - UM BOM DIA PARA MORRER

(Good Day To Die Hard, A, 2013)

''Já que ninguém dentro dos Estados Unidos conseguiu matar o policial John McClane nos primeiros quatro filmes da franquia, os roteiristas resolveram jogar o herói, interpretado novamente por Bruce Willis, no submundo criminoso de Moscou. Mirabolante, o roteiro faz McClane encarar mafiosos russos com ajuda de Jack, seu filho também policial e também durão como o pai. O que mais tem no filme? Explosões, tiros, socos e o sorriso cínico de Willis.'' (Thales De Menezes)

"Homer Simpson visita a Rússia." (Alexandre Koball)

"Em meio a essa onda de heróis mais "sensíveis" do cinema americano moderno, é interessante ver que John McClane continua aquele tipo de mocinho inabalável e unidimensional do cinemão pipoca de outras épocas. Pena que as cenas de ação sejam tão recicladas." (Heitor Romero)

"Desnecessário. Já vimos quase tudo antes, o que sobra é um personagem central descentrado. E Yuliya Snigir que é capaz de melhorar o filme com sua, digamos, performance. Pena que fica pouquíssimo tempo em cena. Ahhhhhhhh." (Marcelo Leme)

Duro de aguentar.

''Nos primeiros trinta minutos de ''Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer'', o protagonista John McClane é atropelado e capota seu carro duas vezes, saindo de todos os incidentes sem um único arranhão. É o típico super-herói dos filmes de ação norte-americanos, invulnerável e invencível, capaz de pular de prédios de dezenas de metros de altura e sair caminhando como se nada houvesse acontecido. Ou seja, é o oposto do John McClane original visto em Duro de Matar (Die Hard, 1988), um personagem que caiu no gosto do público e se tornou icônico exatamente por ir na contramão do cinema do gênero da época ao apresentar um lado humano, de carne e osso, ao seu herói. Ao contrário dos exércitos-de-um-homem-só de Stallone e Schwarzenegger, o protagonista interpretado por Bruce Willis se machucava de verdade, sofria e até tinha medo de morrer. Foi o segredo do sucesso e o grande diferencial que fez daquele filme uma referência até hoje para o cinema de ação. A essência do John McClane criado por Willis e pelo diretor John McTiernan, no entanto, começou a ser desvirtuada pouco a pouco nas sequências. Ainda que o personagem mantivesse o espírito sempre irônico e a sensação de que adoraria estar em qualquer outro lugar, as continuações da obra original reduziram, a cada novo filme, a fragilidade do herói, chegando até o indestrutível McClane visto neste Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer, que em nada deve a um John Rambo ou a um John Matrix. Não seria exagero algum afirmar que, se fosse protagonizada pelo John McClane deste último filme, a obra original seria um curta-metragem, com o mocinho eliminando Hans Gruber e todo o seu séquito em dez minutos, dando tempo ainda de curtir a festa de Natal no Nakatomi Plaza ao lado de sua ex-mulher. Evitando novamente a limitação de espaço que também caracterizou os dois primeiros exemplares, Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer leva McClane à Rússia, onde parte em busca do filho com quem não fala há anos. E os problemas já começam aí. O roteiro de Skip Woods – responsável também por coisas como Hitman – Assassino 47 (Hitman, 2007) e X-Men Origens: Wolverine (X-Men Origins: Wolverine, 2009) – mostra toda a sua preguiça logo nesse primeiro ato, criando uma noção de tempo que somente ele parece entender. Vejamos: Jack é preso em Moscou e se torna testemunha-chave de um julgamento que para o país. Enquanto isso, McClane, que procurava saber sobre o filho há anos, recebe informações sobre a prisão de Jack e decide ir para a Rússia encontrar e tentar ajudá-lo. Essa sequência de ações, que, em uma passagem de tempo lógica, levaria no mínimo algumas semanas para ocorrer, acontece de um dia para o outro! É como se, desde o início, o roteirista deixasse claro para o espectador que nada fará sentido na produção. Dirigido por John Moore – os motivos para alguém colocar o homem por trás de Max Payne (idem, 2007) no comando de uma série tão querida pelo público fogem a qualquer explicação racional –, Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer também erra ao estabelecer em suas primeiras cenas um clima mais pesado que o habitual para a franquia, parecendo se levar a sério demais. Nos minutos iniciais, é praticamente impossível adivinhar que se trata de um exemplar de Duro de Matar, tamanha é a ausência do clima de descontração que predominava nas produções anteriores. Na verdade, mesmo quando o filme finalmente tenta apresentar o McClane que o espectador conhece, o tiro acaba saindo pela culatra, uma vez que o humor presente em ''Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer'' erra o alvo na maioria das vezes. E a culpa sobre isso recai tanto sobre Moore quanto sobre seu roteirista. Sim, as piadas são fracas e repetitivas – sem exageros, a frase Eu estou de férias deve ter sido repetida pelo protagonista no mínimo cinco vezes –, porém o cineasta demonstra não possuir qualquer senso de timing cômico, estendendo-as até o limite do insuportável. É o caso, por exemplo, da graça envolvendo um taxista cantor: mesmo se a piada inicial fosse boa (não é, só pra ficar claro), o grande erro é Moore insistir de maneira inexplicável na gag, talvez com a certeza de que o material é brilhante. E o que dizer da ridícula cena na qual Jack, um agente treinado da CIA, mostra o dedo a um dos vilões? Esses erros de julgamento, aliás, podem ser percebidos em diversos outros momentos, como ao inventarem um material químico milagroso que neutraliza radiação ou na cena que mais representa um filme preguiçoso e tomado de lugares-comuns: aquela na qual o vilão prefere ficar conversando com o mocinho ao invés de eliminá-lo de uma vez. Os problemas do roteiro, no entanto, não param por aí. Como se não bastasse o enredo em si não fazer muito sentido – e a revelação do verdadeiro vilão da trama jogar qualquer resquício de lógica por água abaixo –, o texto de Wood apresenta alguns dos piores diálogos do ano (Eu poderia ser um dançarino, mas ninguém me incentivou), jamais chegando perto das tiradas espirituosas que McClane largava em outros filmes. Da mesma forma, Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer aposta em situações que se revelam claras muletas de roteiro, destacando-se pela artificialidade extrema, como a cena em que McClane fala sobre o seu passado com um cientista, mesmo que estejam correndo contra o tempo, ou a no mínimo vergonhosa ideia de tentar destacar um de seus vilões ao apresentá-lo comendo uma cenoura(!), como se essa fosse uma grande característica do personagem. E, já que o assunto é vilão, vale ressaltar que a falta de um antagonista é outro elemento que prejudica o filme. Um personagem do calibre de John McClane precisa de um oponente à sua altura, o que não ocorre em Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer. Na verdade, a nova produção não consegue nem ao menos se decidir sobre quem é o verdadeiro antagonista, apresentando no mínimo três vilões que enfrentam os heróis. Essa diluição não funciona bem em um filme como esse, que clama por um Hans Gruber, por um Simon ou até mesmo pelo oponente vivido por Timothy Olyphant na obra anterior. Mas o grande erro de ''Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer'' não está exposto nas linhas acima. A escolha mais inexplicável de John Moore e Skip Wood, aquela que não faz o menor sentido e chega a ser até revoltante para os fãs da série, é transformar John McClane em nada mais do que um coadjuvante de luxo. Sim, acreditem: o protagonista do filme é Jack, e não McClane. Ao personagem de Bruce Willis, cabe o papel de parceiro de seu filho, aquele que apenas segue as ordens do outro e – ainda mais revoltante – serve como alívio cômico da produção, soltando uma piadinha vez ou outra. Muito mais do que tirar de McClane o seu lado humano para transformá-lo em um desenho animado, é essa escolha (intencional ou não) dos realizadores que realmente se torna inaceitável, fazendo do filme algo ofensivo aos fãs. Para piorar, a própria relação entre McClane e Jack é explorada de forma rasa e superficial. Não apenas não há qualquer desenvolvimento ou lastro emocional para esse que é o verdadeiro núcleo dramático da narrativa como tudo também se desenvolve em cima de clichês. Existe, por acaso, algo mais batido do que o filho chamar o pai pelo nome de modo a demonstrar sua insatisfação? E quem ainda duvida que, ao final, esse mesmo filho o chamará de “pai” pela primeira vez, simbolizando que está tudo bem entre os dois? É um recurso narrativo velho, explorado milhões de outras vezes pelo cinema. Na verdade, o relacionamento entre McClane e Jack é tão desleixado que até mesmo a química entre Bruce Willis e o personagem de Justin Long, no último filme, foi melhor – e se ver McClane e seus dois filhos juntos ao final rende um sentimento bacana, isso se dá mais pelo apelo do personagem junto à plateia do que pelo que foi feito nessa produção. Se o roteiro é vazio e repleto de furos, nada muito diferente pode ser dito em relação ao trabalho de John Moore na direção, mais um adepto da câmera tremida e dos cortes excessivos que estragam grande parte dos filmes do gênero. Na realidade, parece até que o cineasta aprendeu algumas coisas durante a própria produção de ''Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer''. Isso porque a primeira sequência de ação envolvendo uma perseguição de carros em Moscou é absurdamente caótica, mal dirigida e montada, sendo impossível ter a menor ideia do que está ocorrendo. No entanto, Moore ainda consegue, em momentos posteriores, criar algumas cenas interessantes, pelo menos do ponto de vista estético, como aquela que acompanha a dupla de heróis em câmera lenta pulando de um prédio. E, verdade seja dita, há ao menos duas homenagens ao filme original que são capazes de colocar um sorriso no rosto da plateia: o momento no qual McClane e Jack atiram nos vidros em meio a um tiroteio e, principalmente, a forma como o cineasta filma a queda de um vilão no terceiro ato. Porém, por mais que aqui ou ali haja alguma ideia interessante ou que ocasionalmente consiga capturar o espírito sardônico de John McClane, a verdade é que em Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer o personagem mais parece uma cópia de si mesmo, com piadinhas fracas e uma invencibilidade que o deixa apenas com um herói genérico, sem a personalidade e a identificação que o destacaram. E, quando até mesmo sua clássica fala Yippee-ki-yay é utilizada de forma aleatória, é inevitável pensar que talvez esteja na hora de John McClane ser aposentado de vez. Por mais duro que seja." (Silvio Pilau)

Quinto filme refaz as graças consagradas mas não entende o espírito da franquia.

''John McClane sempre foi um anacronismo, o policial à moda antiga (workaholic e marido ausente) que sabota planos modernos de vilões sofisticados porque recusa-se a aceitar que ficou obsoleto. Se, como McClane, a franquia Duro de Matar tende à longevidade mesmo depois de três ótimos filmes, é porque sua graça está justamente nessa teimosia. Lançado em 2007, Duro de Matar 4.0 é um filme que funciona. Embora fizesse concessões à geração 2000, como o ajudante geek vivido por Justin Long, era o estilo analógico de McClane, em contraste com essas modernidades, que continuava valendo. Já o quinto filme, ''Duro de Matar - Um Bom Dia para Morrer'' (A Good Day to Die Hard), não tem essa percepção. É uma continuação que reproduz as piadas internas consagradas (os bordões, o herói preso no trânsito) mas não entende o espírito da franquia. Na trama, McClane (Bruce Willis, cada vez mais com cara de quem acabou de voltar das férias) viaja para a Rússia para tentar ajudar seu filho, Jack (Jai Courtney), que está preso sob acusação de homicídio. Em Moscou, McClane descobre que o rapaz trabalha para a CIA numa operação de tráfico de armas nucleares. E Jack é bom no que faz. Se o quarto filme tentava dialogar com a geração web, Duro de Matar 5 joga para o público pós-Bourne, pós-Black Ops. E não há nada menos familiar a John McClane do que esse mundo dos agentes supertreinados e superarmados. Ao invés de desenvolver um contraponto entre o pai cabeça dura (cujo maior talento sempre foi a resistência à dor) e o filho eficiente (tão eficiente quanto os vilões sofisticados que McClane combatia), o filme nivela os dois. Esse nivelamento fica claro quando McClane assume as rédeas da ação e resolve fazer as coisas do seu jeito, no improviso (é risível como Jack simplesmente deixa de telefonar para seus superior da CIA depois do meio do filme). Antigamente, esse jeitinho envolvia isqueiros, silver tape e, com sorte, a metralhadora subautomática que McClane tomava do bandido. Agora o improviso se limita a gastar toda a infinita munição que sobrou na mão do herói. Transformaram o cara numa máquina de atirar, enfim. O fato de Duro de Matar 5 adotar efeitos visuais estilizados à moda Zack Snyder no clímax - em estranha dissonância com a destruição em estilo documental do começo do filme - é o derradeiro malentendido. Ver e acreditar em John McClane machucado era um dos principais apelos da franquia, um fator de catarse. Aqui, isso se perde em meio à computação gráfica, ao exibicionismo*. Nem fingir dor o elenco sabe direito. Se o cinema de ação virou um porta-malas cheio de granadas e fuzis, que sequer é preciso arrombar, então talvez esteja mesmo na hora de John McClane se aposentar. *Há informações de que trechos mais gráficos, que mostram sangue em tiros e socos, foram suprimidos fora dos EUA (onde o filme pegou classificação 17 anos) para permitir censura 12 anos em alguns países. No Reino Unido o órgão que classifica os lançamentos reconhece essas mudanças. Procurada, a 20th Century Fox do Brasil - onde a classificação também é 12 anos - diz que não foi informada pela matriz americana de quaisquer alterações." (Marcelo Hessel)

''Os astros reúnem-se para um épico filme em grupo e depois retornam para suas aventuras solo: Os Mercenários são Os Vingadores do cinema de ação old school. Depois de Schwarzenegger em O Último Desafio (e, pelo menos no Brasil, antes de Stallone em Alvo Duplo), é a vez do inoxidável Bruce Willis ser o centro das atenções. Ele encarna mais um vez seu personagem mais famoso, o policial John McClane, no recente lançamento Duro de Matar – Um Bom Dia Para Morrer. Mesmo desconsiderando a pra variar “genial” tradução brasileira de A Good Day To Die Hard (era díficil chamar simplesmente de Duro de Matar 5?!), é triste comentar sobre este que acabou se revelando o pior capítulo da franquia. Naquilo que se passa por história, McClane fica sabendo que seu filho Jack, com o qual não falava há anos, foi preso na Rússia e está sendo acusado de assassinato. Como canais legais e diplomáticos são para os fracos, ele resolve embarcar por conta para a terra do grande Zangief pra resolver a parada. Chegando lá, mas que vergonha, descobre que seu pimpolho trabalha para a CIA e está numa missão ultrasecreta visando a recuperação de (sim, isso mesmo) armas nucleares. A partir disso, pai e filho vão rapidamente se entender, sobreviver e derrotar os vilões. E só. Na linha do que aconteceu recentemente com Skyfall, grande parte das críticas negativas de Um Bom Dia Para Morrer vem se concentrando na alegação de que este não é o verdadeiro John McClane. Besteira. Os mais radicais (e chatos) falam isso desde Duro de Matar 3, e apesar disso os filmes foram empolgantes e divertidos (com o 4.0 sendo o ápice do massa véio bem executado). O problema agora é que o 5º filme é ruim, simplesmente. O roteiro é fraco até para os padrões do gênero, a ação nao consegue compensar isso por ser muito genérica, e nem o carisma do protagonista aparece. Bruce Willis costuma mandar bem mesmo no automático, mas aqui ele está em algum ponto abaixo disso. Ele parece se apagar em vários momentos, como se McClane quisesse deixar o filho brilhar. O que nunca passa nem perto de acontecer, naturalmente. E a culpa é mais do roteiro do que do esforçado Jay Courtney (visto em Spartacus e Jack Reacher). A história tenta trabalhar uma relação conflituosa entre pai e filho, mas de maneira rasa e extremamente indecisa. A mágoa que Jack sente pelo pai ausente acaba num passe de mágica quando John diz que o ama. A dinâmica do veterano acostumado ao improviso em contraste com o jovem metódico e certinho espião style, que poderia render algo interessante, fica apenas na sugestão. Isso porque tudo na trama acontece muito fácil e rápido, não há senso de perigo ou urgência em momento nenhum, então não faz diferença o modo como eles resolvem as coisas. A velha ironia de McClane, resmungando sobre a roubada em que se meteu, também sai prejudicada no meio disso. Como não demonstra estar passando por dificuldades, ele perde sua humanidade e torna-se chato repetitivo. Por exemplo, ao repetir umas doze vezes que estava de férias. As cenas de ação, que poderiam contar pontos a favor do filme (afinal, é um blockbuster), não chegam a impressionar. Com a breve exceção da perseguição de carros inicial, que começa burocrática mas diverte quando se torna galhofa e absurda. Depois, tudo se resume a tiroteios e correrias Comuns da Silva. Quando surge um lampejo de inspiração visual na cena do yippee-ki-yay, *beep* ou até na referência ao final do primeiro filme, já é tarde demais pra salvar qualquer coisa. Com uma recepção amplamente negativa, e uma bilheteria mediana, difícil exergar um futuro para a franquia Duro de Matar. O que não deixa de ser uma pena, pois John McClane merecia um encerramento melhor. Mas pelo menos continuaremos a ver Bruce Willis chutando bundas por aí, certamente." (Jackson Good)

Twentieth Century Fox Film Corporation TSG Entertainment Giant Pictures Dune Entertainment Ingenious Media Big Screen Productions Origo Film Group

Diretor: John Moore

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Soundtrack Rock = The Rolling Stones

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Date 05/12/2013 Poster - #

[Mov 03 IMDB 5,6/10 {Video/@@@}

DESEJO DE MATAR 3

(Death Wish 3, 1985)

"Uma das bobagens mais divertidas dos anos 80 (é o Comando Para Matar do Charles Bronson), não faço idéia como seria revê-lo hoje em dia." (Vlademir Lazo)

"Desejo de Matar 2 foi a primeira produção da Cannon Films com um grande astro (Charles Bronson) e também um sucesso de bilheteria, enchendo os produtores israelenses Golan e Globus de dinheiro e reputação para tocar outros projetos. Ao mesmo tempo em que produziam filmes de ação baratos estrelados por Chuck Norris, Lou Ferrigno, Robert Ginty e Michael Dudikoff, os dois primos tentavam ganhar Oscars contratando diretores consagrados, como Jean-Luc Godard, John Frankenheimer e John Huston, para tocar projetos mais artísticos. Esses sempre naufragaram nas bilheterias, enquanto os filmes de ação continuavam dando retorno financeiro. E como em time que está ganhando não se mexe, a Cannon decidiu iniciar uma duradoura parceria com Charles Bronson, que inevitavelmente levou a um ''Desejo De Matar 3''. Até hoje, toda vez que eu revejo Desejo De Matar 3, fico imaginando a cara dos espectadores que tinham curtido as Partes 1 e 2 ao sair de uma sessão do terceiro filme na época do seu lançamento, lá em 1985. Porque se o original de 1974 era uma história policial séria sobre um homem que liberta sua fúria exterminando marginais na rua, e a segunda parte, de 1982, mostrava o mesmo homem comum vingando-se dos responsáveis pela morte da filha, ''Desjeso De Matar 3'' não tem a menor vergonha na cara e parte direto para a avacalhação: o vigilante Paul Kersey agora é representado como uma máquina de matar incansável e indestrutível estilo O Exterminador do Futuro, que sai às ruas baleando, metralhando e explodindo delinquentes como se estivesse jogando videogame! Algumas fontes alegam que a terceira aventura cinematográfica de Kersey foi diretamente influenciada por dois exagerados e barulhentos filmes de ação lançados no mesmo ano de 1985: Rambo 2 - A Missão, onde Sylvester Stallone massacra 70 inimigos viecongues e russos, e Comando para Matar, onde Arnold Schwarzenegger bateu todos os recordes de violência cinematográfica e exterminou 96 pessoas (!!!) on-screen. Mas a verdade é que ''Desejo De Matar 3'' começou a ser filmado em abril de 1985, antes do lançamento destes dois filmes, e portanto já trazia uma avantajada contagem de cadáveres sem ser influenciado por Stallone e Schwarzenegger, provavelmente motivada por outras produções baratas da Cannon lançadas no ano anterior, como Braddock - O Super Comando (1984), em que Chuck Norris mata 63 soldados vietcongues, ou A Vingança do Ninja (1983) e seus mais de 50 cadáveres. Consta, também, que a Cannon Films queria aproveitar a publicidade gratuita gerada por um vigilante da vida real: em dezembro de 1984, como Charles Bronson tinha feito dez anos antes em Desejo de Matar, Bernhard Hugo Goetz atirou em quatro supostos assaltantes dentro de um trem do metrô de Nova York. Goetz foi chamado de Subway Vigilante pela mídia, e a imprensa e a população da cidade ficaram divididas entre glorificar ou condenar sua ação, já que o homem foi imortalizado como um exemplo de reação extrema do cidadão diante da violência urbana de Nova York na época. O vigilante da vida real entregou-se à polícia e foi a julgamento, ficou preso durante oito meses e até hoje é figura popular nos Estados Unidos." (Felipe M. Guerra)

Cannon Group Golan-Globus Productions

Diretor: Michael Winner

8.579 users / 495 face

Check-Ins 407

Date 11/12/2013 Poster - #####

{Video/@@@@@} M/92

DOIS DIAS, UMA NOITE

(Deux Jours, Une Nuit, 2014)

"Curioso vê-lo logo após A Lenda da Flauta Mágica de Demy, filmes historicamente distantes com uma Europa engolida por crises avassaladoras (de saúde pública ou econômicas). Dois filmes em que os poucos sorrisos são embalados pelo contato com a música." (Daniel Dalpizzolo)

"Existem filmes que servem como veículos para grande ator ou uma grande atriz. Podem ser bons ou não, mas o nome no cartaz já tem o poder de atrair o público. Marion Cotillard já chegou a essa condição na França. Depois da consagração nacinebiografia da cantora e símbolo nacional Edith Piaf, que deu a ela um Oscar, e incursões em Hollywood, virou uma estrela inconstetável. A ponto de conseguir transformar um filme pequeno, de produção modesta, em repercusão mundial e passaporte para sua segunda indicação ao Oscar. "Dois dias, Uma noite" fala direto a muita gente numa época de crise mundial. Marion interpreta uma mulher que deve ser escolhida em votação por seus colegas para ser demetida da empresa onde trabalha. Desesperada, ela passa um fim de semana tentando convencer, um a um, a não votarem nela. Filme denso, bom." (Thales de Menezes)

"Em "Dois Dias, Uma Noite", Sandra (Marion Cotillard) perde o emprego depois de um período de licença por doença. No local onde trabalha, seus colegas optam por cortar seu posto em troca de um bônus de mil euros (R$ 3.000). Resta uma oportunidade de reaver o emprego: conseguir, em um fim de semana, convencer a maioria de seus colegas (são 16) a renunciar ao bônus e aceitá-la de volta. Em princípio, é o desemprego de Sandra o centro do novo filme dos irmãos belgas Jean-Pierre e Luc Dardenne, tanto mais que ela e o marido precisam do dinheiro para pagar as prestações da casa. Ao longo da extenuante maratona a que se dedica Sandra - explicando aos colegas seu problema e recebendo todo tipo de resposta, da solidariedade completa à rejeição integral - é lícito pensar em uma perda de foco dos Dardenne. Cada vez ela explicará toda a questão: que o contramestre fez pressão e ameaças etc. O problema é que cada um dos demais terá motivações pessoais quase sempre justas para estar ao seu lado ou não renunciar ao bônus. Nesse impasse, parece secundária a questão do desemprego na Europa atual ou mesmo a problemática indústria europeia, forçada a concorrer com países que oferecem preços muito inferiores. O que permanece na surdina, mas é afinal aquilo de que o filme melhor dá conta, é a decorrência do desemprego e da situação de concorrência: o crescente individualismo, que corre paralelo à degeneração das relações (claro, existem manifestações de solidariedade intensas, mas elas correspondem àquilo que se criou ao longo do século passado, antes que o neoliberalismo se impusesse). Acrescente-se a isso o comportamento do marido de Sandra: Manu (Fabrizio Rongione) não sofre por forçar a mulher a fazer um papel que ela julga humilhante. Há um inequívoco sadismo em seu modo de ser, apesar da simpatia que afeta: talvez seja outra maneira de nos lembrar de como as relações se degradam na crise do capitalismo. Mais do que tudo, porém, Dois Dias nos lembra que o cinema dos Dardenne parece sofrer hoje de certa fadiga: já soube ser mais agudo e memorável. Aqui, o essencial é jogado nas costas e, sobretudo, no rosto de Cotillard. Menos mal, ela segura o rojão." (* Inácio Araujo *)

*** ''Dois dias, Uma Noite" é uma estranha fábula contemporânea. Ali, uma operária é escolhida pelos seus próprios colegas para ser demitida. Estamos em plenacrise, como se sabe, e impõe-se economia. Mas do que em crise: em vez de ser o patão a demitir são ospróprios colegas, como se tudo se esforçasse para esgarçar as relações de trabalho até mais não poder. O título do filme dos irmãos Dardenne diz respeito ao tempo que a moça tem para convencer os colegas de que pode existir outra solução além daquela. O mais interessante do filme talvez seja, justamente, o fato de que agora aquela decisão impessoal torna-se um difícil cara a cara.'' (** Inácio Araujo **)

*** ''Em"Dois Dias, Uma Noite", os funcionários de uma fabrica optam por receber um bônus por produtividade, em troca de perder o emprego. Sandra, é demitida, tem um fim de semana para coaptar a maioria dos colegas, de modo que a decisão seja revertida. O aspecto mais interessante disso tudo é que o patrão não tem nada a ver com isso. Fora dos clichês habituais. Os dardenne levam o drama com a frieza habitual. Interessa-lhes mais demonstrar a deterioração de relações pessoais na crise econômica europeia atual do que se ater ao drama da moça. Não é apaixonante, é didático.'' (*** Inácio Araujo ***)

''Os filmes dos irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne sempre tiveram um certo caráter religioso. Não se trata, evidentemente, de uma abordagem direta da religião, mas de um modo de ver o mundo que inclui, no arco dramático do filme, a busca pela graça e pela compaixão - uma influência evidente do cinema feito pelo italiano Roberto Rossellini e de certos filmes neorrealistas. Nunca esse caráter religioso esteve tão explícito quanto em "Dois Dias, Uma Noite", em que a protagonista Sandra, vivida por Marion Cotillard, precisa fazer uma peregrinação entre seus colegas de trabalho para tentar manter seu emprego. A permanência de Sandra no trabalho será decidida em uma votação, na qual seus colegas são submetidos a uma espécie de "escolha de Sofia" imposta pelo próprio sistema: se eles quiserem manter um pequeno, mas significativo, bônus salarial, precisam votar pela demissão da colega, que estava afastada do serviço. Com a ajuda do marido, Manu (Fabrizio Rigone), Sandra bate de porta em porta, suplicando por votos a seu favor. Em cada parada, seu pedido coloca à prova o espírito cristão de seus colegas. As reações variam, das mais violentas às mais solidárias. "Dois Dias, Uma Noite" demonstra sinais de esgotamento de uma fórmula adotada pelos irmãos Dardenne, ao tratar agora a personagem com condescendência e excesso de vitimização. Ainda assim, eles não brincam em serviço, alcançando alguns momentos de fato comoventes ao longo da peregrinação de Sandra. Em todos eles, a graça se deve mais aos atores que fazem seus colegas de trabalho (pequenas participações, portanto) e menos a Marion Cotillard, que apesar de aparecer despida de qualquer glamour e de se esforçar bastante para abraçar o papel, acaba carregando demais no tom choroso de sua personagem." (Pedro Butcher)

2014 Palma de Cannes

Top Bélgica #9

Date 19/11/2014 Poster - ##########

[Mov 06 IMDB 6,1/10 {Video/@@@} M/62

DOIS DIAS EM NOVA YORK

(2 Days in New York, 2012)

A eficiência do humor baseado nos diálogos.

''Tendo a palavra como força motriz dos acontecimentos, Julie Delpy concebeu e dirigiu ''2 Dias em Nova York'', continuação indireta do simpático e não menos verborrágico 2 Dias em Paris. A premissa deste novo filme é bastante semelhante à do anterior: a grande diferença está no ponto de vista adotado pela diretora, também autora do roteiro. Se, no primeiro filme, Marion (Delpy) passava rapidamente pela Cidade Luz com o namorado estadunidense Jack (Adam Goldberg), que ela apresentou à família e não sabia falar nada além de Bonjour e Merci em francês, nesta continuação o referencial se inverte: é a família de Marion que se desloca e vai visitá-la em seu apartamento nova-iorquino, que ela divide com o namorado Mingus (Chris Rock). As divergências de hábitos, olhares e atitudes entre as culturas americana e europeia se impõem como a fonte de uma série de incidentes, quase sempre desenvolvidos em tom jocoso pelo roteiro também a cargo de Delpy. O fato de Mingus ter apenas um conhecimento mínimo de francês é outra deixa bastante utilizada pela diretora para espalhar piadas ao longo da narrativa. Afinal, a barreira linguística é sempre um prato cheio para enganos de toda sorte, que provocam risadas em quem os vê de fora ou muito depois por quem os viveu. E as confusões mais engraçadas acontecem justamente quando Marion está longe do namorado e não pode servir de ponte tradutora, como na sequência em que ele acompanha Jeannot (Albert Delpy) – pai da personagem de Delpy e também da atriz - em uma sessão de massagem tailandesa e tenta ajudá-lo a escolher um massagista, assim como nos minutos que eles passam juntos na sauna, quando um não faz a menor ideia do que o outro está falando em sua respectiva língua materna. Essas passagens abrem espaço até mesmo para trocadilhos acidentais de cunho sexual, típicos causadores de risadas na plateia. E, como se torna esperado nos primeiros minutos do longa, a presença da família de Marion – pai, irmã e cunhado – vai desestabilizando a rotina e o relacionamento do casal, por toda a desordem que eles instauram no apartamento que, até então, era aconchegante e suficiente para os dois e os filhos que trouxeram de namoros anteriores. Nessa fórmula simples e despretensiosa, 2 Dias em Nova York demonstra a eficiência do humor calcado na palavra, e evoca o modo alleniano de filmar e concatenar piadas, às vezes sutis, como nas suas típicas comédias ambientadas na cidade. A química entre Delpy e Rock é outro ponto positivo do filme. Extremamente carismático, ele tem momentos em que brilha sozinho e reafirma o seu timing cômico para sustentar sequências inteiras de riso frouxo. Além da já comentada passagem da sauna, há o momento em que ele descobre porque a cunhada sempre sorri maliciosamente ao pronunciar seu nome. Sua reação é simplesmente hilária, sobretudo pelo fato de ela ser uma psicanalista infantil. Também a exemplo do que havia feito em 2 Dias em Paris, Delpy oferece alguns insights de reflexão sobre as relações familiares e amorosas. Longe de apresentar qualquer novidade nesse sentido, ela reafirma a importância de manter perto as pessoas de quem se gosta e não deixar passar as ocasiões em que se deve explicitar para o parceiro o quanto o ama e o considera importante. Seus comentários vêm sob a forma de narração em off, servindo de parênteses mais sérios em meio às doses generosas de comicidade. Já seu apego ao discurso não vem apenas de sua experiência antecedente como realizadora, mas também de sua porção roteirista, mais antiga e maravilhosamente exercitada na escrita de alguns diálogos travados por ela mesma e Ethan Hawke nos memoráveis Antes do Amanhecer e Antes do Pôr do Sol. Por sinal, o passar dos anos só tem acentuado sua beleza loura. A câmera sempre inquieta é outro aliado de que Delpy se utiliza bem. Potencializando as sequências de matriz cômica, ela oferece ângulos deslumbrantes de uma Nova York sempre frenética e cosmopolita, que acolhe as mais diferentes maneiras de se ler o mundo. O contraste étnico entre os protagonistas também vale algumas piadas interessantes, livres de qualquer melindre exigido pela correção política – o tema em si ainda é uma questão muito delicada nos EUA e, portanto, ainda se pode chamar corajosa a opção da cineasta por abordá-lo sem meias palavras. Por outro lado, em seus minutos finais, 2 Dias em Nova York salienta sua escolha de uma estrutura narrativa convencional, o que não se revela um demérito, mas uma opção legítima e ainda bastante eficiente." (Patrick Corrêa)

Mais conhecida por seu papel nos romances Antes do amanhecer e Antes do pôr-do-sol, que acabam de ganhar a continuação Antes da meia-noite, a atriz e diretora francesa Julie Delpy mostra seu lado mais cômico e menos romântico em "2 dias em Nova York". Em seu quinto trabalho na direção, ela retoma a personagem de seu filme "2 Dias em Paris", Marion, em uma situação nova. Agora, morando em Nova York, esperando a visita do pai e da irmã. A situação está bem diferente e não apenas porque Marion mora em outro continente. Fotógrafa, sua grande exposição acontecerá dentro de dois dias. Vivendo com um radialista, Mingus (Chris Rock), ela cuida de seu filho do relacionamento anterior e também da filha do namorado. Mas a personagem continua a mesma neurótica, atrapalhada e insegura. Woody Allen - como não se lembrar dele em Nova York? - ainda é inspiração, mas Julie tem munição suficiente para sair da sombra de qualquer mestre, especialmente com seu timing para comédia verbal. Choques culturais, novamente, dão a tônica ao filme. A chegada do pai, Jeannot (Albert Delpy, pai da diretora na vida real), da irmã, Rose (Alexia Landeau), e do cunhado e ex-namorado de Marion, Manu (Alexandre Nahon), serve como pretexto para escancarar ideias estereotipadas que os norte-americanos fazem dos franceses e vice-versa. Desconfiando da comida dos Estados Unidos, Jeannot tenta trazer, debaixo da roupa, linguiças e queijos franceses e é flagrado no aeroporto. Além disso, não demonstra muita simpatia pelo banho. Já Rose anda nua pela casa e forma com seu namorado um casal indiscreto em todos os sentidos. O próprio Manu parece ter ido aos Estados Unidos apenas para comprar maconha e fazer comentários racistas, sem perceber. O humor de Julie surge exatamente da falta de pudor em mexer com estereótipos das duas nações. A personagem dela, por exemplo, é uma artista plástica conceitual, e uma de suas últimas obras é vender a sua alma, literalmente, com contrato e recibo, dando espaço a um comentário cínico sobre a arte contemporânea. O resultado é uma das melhores cenas e participações especiais do filme, do ator Vincent Gallo, como o comprador da alma. Já Mingus tem em Barack Obama o seu mentor, mantendo em seu escritório uma figura de papelão em tamanho natural do presidente dos Estados Unidos, com quem ele costuma desabafar." (Alysson Oliveira)

''Em dado momento desta comédia dirigida, roteirizada e protagonizada pela atriz francesa Julie Delpy (Antes do Amanhecer), um crítico de arte comenta ao avaliar uma exposição de fotos: Eu gosto do tema mais do que da execução. É provável que muitos espectadores sintam o mesmo ao assistir ''2 Dias em Nova York''. O filme está mais para um piloto de sitcom do que para uma comédia sobre choque de costumes. Talvez se Delpy não acumulasse tantas funções – ela também é produtora – o longa tivesse encontrado um rumo. O filme é um derivado de ''2 Dias em Paris'', que a atriz dirigiu em 2007. Marion (Delpy) agora mora em Nova York, é mãe e trocou Jack (Adam Goldberg) pelo radialista Mingus (Chris Rock, estranhamente contido aqui). A vida da família vira do avesso com a visita do excêntrico pai de Marion (Albert, pai de Delpy na vida real), de sua atirada irmã Rose (Alexia Landeau) e de seu namorado maconheiro Manu (Alexandre Nahon). Não se preocupe se não viu o primeiro filme, bem mais palatável do que este por sinal. A proposta aqui é acompanharmos a supostamente divertida situação de tensão estabelecidada assim que os familiares franceses de Marion pousam em solo americano e são detidos na alfândega pelo contrabando de algo insólito. E seguem tentativas tacanhas de se extrair humor desta e outras situações. Tudo pouco ou nada engraçado. Paralelamente, Marion se prepara para uma mostra de suas fotos em que o ponto alto será o leilão conceitual de sua alma. O estresse com a família deixa a artista atordoada, o que a faz tomar atitudes idiotas e contar mentiras sem cabimento. A situação tira seu marido do sério e este chora suas mágoas para um display de Barack Obama que tem no escritório. Difícil dizer o que é menos risível nisso tudo. O filme é carregado de artificialismo fruto de situações improváveis, piadas insossas e personagens caricatos. Delpy parece extremamente insegura no comando do longa que, em momento algum, convence o espectador da realidade apresentada. Se não bastasse, a parte final nos brinda com constrangedora participação do ator Vincent Gallo (Tetro) como uma espécie de Mefistófeles. Aqui o que era apenas sem graça torna-se ridículo." (Roberto Guerra)

"As confusões da vida em família já alimentaram muitos filmes ao longo dos anos. Seja em comédia ou em drama, o tema não deixa de ser atual por sua humanidade: todos reconhecem parentes em alguns dos personagens. Seja um tio irreverente ou um primo cheio de manias, na maior parte das vezes o tema cativa por ser universal. E é justamente nesse embalo dramático em que se apoia a nova comédia de Julie Delpy, ''2 Dias em Nova York''. No mesmo clima de seu antecessor (2 Dias em Paris, da mesma diretora) o filme traz o choque cultural e de costumes como principal ferramenta cômica. Vê-se na tela a história de Mingus, um típico cara americano que casa com uma francesa, Marion, e está animado para a chegada de sua família para uma breve temporada de visita. Toda essa animação, no entanto, se esvai quando ele percebe que seus parentes são extravagantes o suficiente para testar sua paciência. Nessa visita ele tentará contornar as loucuras dos familiares de sua mulher para não enlouquecer ele próprio. O primeiro gostinho diferente que o filme proporciona é a junção equilibrada entre o tempo de comédia típico Europeu e a atmosfera descontraída das sitcom americanas, criando um primeiro contraste inesperado, e muito positivo. O lado cômico do filme também surge desse contraste França/EUA, ao colocar para conviver diferentes costumes, línguas e personalidades geniosas. A graça do filme vem justamente da busca desse casal por vencer o grande abalo na rotina e se adaptar da maneira que é possível. Em atuações excelentes, os atores se orquestram muito bem em cenas familiares bastante típicas e, justamente por isso, bastante confusas, onde um simples jantar é pretexto para implicância e alfinetadas: nada mais é necessário para se instaurar o caos. Nesse âmbito, a direção de Julie Delpy consegue encontrar um lugar muito saudável entre a bagunça necessária para retratar essa realidade e a clareza necessária para que o público entenda o que se passa. Aliás, equilíbrio é algo que a diretora parece saber mesmo buscar, uma vez que é dela também o papel da protagonista Marion. Como atriz e diretora, ela consegue cumprir bem as duas funções. ''2 Dias em Nova York'' é uma comédia despretensiosamente gostosa, seja pelo trabalho da atriz, seja pelo da diretora." (Bernardo Schlegel)

Top Bélgica #36

Polaris Films Tempête Sous un Crâne Senator Film Produktion Saga Film (I) Alvy Productions In Production TDY Filmproduktion BNP Paribas Fortis Film Fund Protozoa Pictures Senator Film

Diretor: Julie Delpy

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Check-Ins 408

Date 12/12/2013 Poster - ###